Associações Livres

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2009-12-14T20:53:00.002-02:00

Algumas breves notas

1- O ator Stephen Lang está irritante como o clichê do coroné carniceiro com sotaque sulista americano Miles Quaritch.

2- Não deixa de ser uma ironia que em um filme que se propões a ser anti-imperialista e fazer uma crítica a ganância humana, que um americano seja o herói dos alieníginas. Ou seja, eles são bons, são livres, desde que a líderança seja nossa.

3- Soluções esdrúxulas- o coronel carniceiro e um tal de Selfridge que ninguém sabe qual a função trabalham para si mesmos?

4- Jack Sully, Worthington, é uma gracinha, com ou sem roupagem azul. Mas aquele sotaque australian é meio irritante.

5- Os Na'vis e Pandora com suas fosforescências e temas tribais me lembraram umas raves gigantescas tipo Universo Paralelo.

6- Diálogo pra quê mesmo?

Soul Power

2009-12-10T19:19:00.001-02:00

Musica caribenha, tambores da Georgia, Filadélfia, musica de Mali, da África do Sul e do Zaire. O que eles tem todos em comum? Tudo.

Para quem quiser ter uma aula de etnomusicologia sobre musica africana, assista a Soul Power, que terá pré-estréias pagas este final de semana em São Paulo. Uma colagem, 35 anos depois, do festival Zaire 74, que levou artistas americanos da soul music para tocar no atual Congo.

O festival foi planejado para acontecer junto da luta de Muhammad Ali e George Foreman, em Kinshasa, um encontro que já virou filme, Quando Éramos Reis.

Imagine uma viagem de avião de 13 horas ao lado de BB King, Bill Withers, James Brown, The Spinners e outros músicos dessa estirpe, todos com seus instrumentos em punho. Uma mega Jam session dos EUA até o Congo, uma festa em que Célia Cruz bate o sapato alto no teto do avião. Sorte da equipe de produção.

A parte triste é que o filme tem apenas uma (umazinha) cópia... Mas, a Sony não é de dar ponto sem nó, e com certeza deve vir por aí um dvd com extras. (Eles bem podiam lançar um dvd com as DOZE horas do festival!!)

Para quem se interessa pelos bastidores, sobram imagens de pepinos da produção, montagem de palco, o conflituoso relacionamento entre o investidor e a produção, montagem de luz. Pra gente ver que não é mole não, o cara que idealizou tudo merece tanto mérito quanto James Brown, que no filme é tratado como um popstar, idolatrado por todos os lados. São dele também as melhores sínteses do ambiente que contaminava a época, do empoderamento do negro, da união, do retorno a identidade, a Mãe Àfrica. E a frase do filme: é impossível ser livre sem grana no bolso. Verdade cada vez maior...

O filme foi uma espremeção só por parte de Jeffrey Levy-Hinte, o diretor. Montador de Quando Éramos Reis, Levy foi chamado para extrair 93 minutinhos de 125 horas de material.

Confira a ótima entrevista que o repórter do Cineclick Heitor Augusto fez com o diretor.

Metade Al Capone, Metade Jesus Cristo

2009-12-10T13:02:00.002-02:00

Para entender o cinema nacional, perfil de Barretão na Revista Piauí deste mês. Um homem de "família", coroné e produtor de cinema de de filmes como Dona Flor e Seus Dois Maridos, e Lula, O filho do Brasil. A discussão inicial, com o distribuidor Bruno Wainer é hilária! Vale a pena para entender como a indústria cinematográfica é como um polvo: todo mundo puxa pro seu lado.

Por Roberto Kaz

"Meu amigo, você me diz quais são suas preocupações que eu vou na alta direção da Globo e determino que com esse filme é diferente!"

Eram dez da manhã de uma segunda-feira quando o produtor Luiz Carlos Barreto chegou ao escritório da Downtown, responsável pela distribuição do seu próximo filme, Lula, o Filho do Brasil. Acompanhado da filha Paula, cumprimentou o dono da empresa, Bruno Wainer - "Ô, meu príncipe!" -, e comentou que havia ido ao cinema no dia anterior: "Era aquele filme do Tarantino. Fui ver se estava passando o trailer do Lula." Sentaram-se.
Barreto espalhou um monte de papéis amarfanhados sobre a mesa e foi repreendido pela filha: "Pai, junta suas coisas porque assim ninguém consegue trabalhar." Teve que atender em seguida a um telefonema do secretário de Cultura do Recife. Terminada a conversa, Bruno Wainer anunciou que Lula, o Filho do Brasil, com estreia marcada para 1º de janeiro, deveria entrar em cartaz em 383 salas de cinema.
Barreto não gostou. "O Avatar está saindo com 700 cópias. Tem um outro americano aí com 500. A gente tem que acreditar que está lançando o filme mais esperado do ano. Não precisa de quatro salas na Barra, mas no subúrbio sim. Quero quatro salas no NorteShopping." Wainer argumentou que 383 cinemas seriam mais que suficientes. Barreto insistiu:
- Trezentos e oitenta salas foi o Carandiru. Não tem nada de mais.
- Ah, se a gente está aqui para bater recorde, tudo bem - disse Wainer.
- Não é para bater recorde, é para ganhar dinheiro - retrucou o produtor. - Esse filme não pode ter menos de 500 cópias. Não quero gastar dinheiro com parangolé no meio da rua. Abro mão de tudo que for anúncio extra para gastar em mais cópias. A gente concentra a publicidade na Globo.
- Mas a Globo falou que só dá para colocar anúncio a partir de 25 de dezembro - disse Wainer.
- Ótimo - festejou Barreto. - Antes do Natal o cara vai estar com a cabeça nas compras, ouvindo aquela música estridente. Fica tudo para a semana seguinte. Bruno Wainer ponderou que a tática seria arriscada. Em função do acordo firmado com a Globo, os anúncios só passariam se a emissora tivesse horários de publicidade vagos. Barreto se exaltou:
- Meu amigo, você me diz quais são suas preocupações que eu vou na alta direção da Globo e determino que com esse filme é diferente! Tem que acabar com essa história de que a Globo está fazendo favor. É uma parceria. Eles têm 10% da renda.
- Então, pronto. Assim você resolve o problema - disse Wainer, com ironia.
- Bruno, estou vendo que você entrou na defensiva.
- Com 383 cópias eu estou na defensiva?
Você está louco, Barreto.
- Se o filme fizer 2 milhões de espectadores você recupera o seu investimento.
- E você acha que 2 milhões de espectadores dá assim, na esquina?
- Quer saber, Bruno? Fiquei muito chateado de você ter dito numa entrevista que o filme vai ser lançado com menos de 400 cópias.
- E eu com você ter dito que o filme vai ter 20 milhões de espectadores - respondeu Wainer.
- É que a gente precisa agir com pressão - justificou o produtor.
- Mas se não fizer 20 milhões de pessoas, você não tira do seu bolso - atacou Wainer. - Eu estou colocando 3 milhões de reais. Se o filme não der certo, o prejuízo é meu. Já você vai só ter que pedir desculpas.
Barreto bateu a mão na mesa e gritou:
- Tem 4 milhões de reais meus, do meu bolso, nesse filme! Quatro milhões que eu tive que pedir emprestado! Não vem me dizer que não tem nada meu aqui!
Luiz Carlos Barreto Borges, o Barretão, é o chefe do clã mais poderoso do cinema nacional. Na sua produtora, a LC Barreto, todos os filmes passam pelo crivo da sua mulher, a produtora Lucy Barreto, e dos filhos, os diretores Bruno e Fábio Barreto. A última a se agregar à firma foi a caçula Paula, responsável pela produção de Lula, o Filho do Brasil.
Salvo por Bruno, que mora em São Paulo, a família trabalha num escritório caindo aos pedaços, no centro do Rio, ao qual Barreto se refere como "essa porra desse botequim". A decoração é a mesma desde os anos 80: carpete verde vira-lata, janela escuro-encardida, persianas mal-ajambradas, espelhos descorados em abundância e esquadrias douradas em volta das portas.
No banheiro masculino, ao lado da privada, há um exemplar do livro Em Defesa de José Dirceu. Em outubro de 2005, quatro meses depois de Dirceu ter deixado a Casa Civil, Barreto organizou, no seu apartamento no Parque Guinle, uma reunião de apoio ao ex-ministro. "Ele tinha me dado muita atenção quando estava no governo, e hoje somos muito amigos", explicou.
Barreto divide uma sala com a filha Paula. Na parede, há dois retratos a óleo - um dele e outro de Lucy -, pintados pelo artista plástico Ademir da Costa. "É um conhecido aí da Lucy", apontou. A decoração é completada com os pôsteres dos filmes Dona Flor e Seus Dois Maridos, Bye Bye Brasil, Índia, a Filha do Sol, O Quatrilho, O Caminho das Nuvens e O Filho do Brasil, todos produzidos pela sua empresa.
Sua sala é mobiliada com um sofá manchado de café, uma enorme televisão de tela plana e duas velhas mesas de madeira, uma para ele e outra para a filha. Sobre a mesa de Paula fica o único computador da sala, do qual o produtor mantém distância. Sobre a de Barreto jaz uma barafunda de papéis, três telefones fixos e dois celulares. "Computador é uma máquina de escrever com arquivo", justificou. "Me diz se as pessoas passavam oito horas por dia abrindo e fechando gaveta de arquivo? Outro dia, na África do Sul, provaram que um pombo-correio pode ser mais rápido que um e-mail. Para que vou perder tempo com essas coisas?"
Os e-mails são impressos pela secretária e respondidos por ele à mão, para depois serem digitados e devolvidos ao remetente. E-mails que não lhe despertam o interesse são amassados e jogados no chão. Embora enxergue mal - ele tem 70% de visão em um olho e 30% no outro - Barreto se recusa a usar óculos. Para ler, fecha o olho direito e se curva sobre o papel. Os 81 anos de idade lhe ampliaram a circunferência do corpo e fertilizaram a pelugem da face, que lhe escapa pelas narinas, orelhas e as formidáveis sobrancelhas.
Barreto fala francês e portunhol, "e entendo dez palavras em inglês necessárias para assinar um contrato. O resto é repetição". Na língua pátria, dispõe de um vasto vocabulário para fazer a corte. Homens são chamados de "meu presidente", "meu querido" e "meu príncipe". Se o príncipe em questão tem família, a esposa vira automaticamente "a princesa" e o filho, "o príncipe herdeiro".
Para o sexo feminino, o espectro de amabilidades é maior: "minha presidenta", "minha querida", "minha menina", "meu sonho de consumo", "minha jacobina", "minha flor de criatura". Às vezes, aproxima o nariz hirsuto do pescoço da interlocutora e, meloso, pede: "Me dá um cheirinho bom." E chama Lucy, conhecida unanimemente nos meios cinematográficos como "Lúcifer", de "meu bem" e "meu amor". Em eventos públicos, não dá dois passos sem perguntar, todo dengoso: "Cadê Lucy?"
Barreto trabalha de paletó, calça social e sapato de couro sem meia. Como não usa carteira, leva dinheiro, identidade e cartão de crédito espalhados pelos bolsos. Sua agenda telefônica é uma maçaroca de folhas A4, impressas de um lado e unidas por um grampo.
Com cerca de cinquenta filmes no currículo, é o produtor mais profícuo - e antigo - do cinema nacional. Guarda de memória uma penca de dados sobre a indústria: "Catorze milhões de brasileiros vão ao cinema por ano", "O preço médio do nosso ingresso é de 6 dólares", "A taxa de ocupação das salas é de 15%".
Reclama da produção excessivamente autoral: "Cinema não é arte reflexiva. É uma arte que foi feita para emocionar. Não gosto de filme feito por um grupo pequeno para um grupo pequeno." Seus filmes preferidos, listados sem reflexão: "Il Gattopardo, de Luchino Visconti, Apocalypse Now, de Francis Coppola, Sangue Negro, de Paul Thomas Anderson, e Terra em Transe, de Glauber Rocha."
Barreto tem horror à crítica cinematográfica: "O crítico tem um papel desvirtuado. É advogado, promotor e juiz ao mesmo tempo. Antigamente, o estagiário de jornalismo começava na parte policial. Hoje, começa como crítico." Dedica um ódio particular às análises d'O Globo: "O cara não pode fazer crítica num jornal carioca como se fosse uma tese no Cahiers du Cinéma. A coisa mais fascista que tem é aquele bonequinho do Globo."
Dos seis últimos filmes dirigidos pela família Barreto, o bonequinho aplaudiu um e olhou com indiferença para quatro. Em A Paixão de Jacobina, o filme de Fábio Barreto anterior a O Filho do Brasil, o bonequinho, resumivelmente nauseado, foi embora do cinema antes de a fita acabar.
Assim como o protagonista de seu novo filme, Luiz Carlos Barreto é fruto de uma família nordestina numerosa, capitaneada por uma matriarca. Quando tinha 3 anos, o pai, Anastácio, saiu de casa, em Fortaleza, deixando-o com a mãe e nove irmãos. "Ele era empreiteiro de estrada, pegou meu irmão mais velho e desapareceu", disse. Depois fui saber, quando já era adulto, que esse irmão acabou preso, em Santa Catarina, por ser comunista." Barreto nunca usou o sobrenome Borges, do pai, "não sei se por uma questão sonora ou psicanalítica".
Para sustentar a família, Raimunda Barreto, a sua mãe, transformou a casa numa pensão. Barreto cursou a escola até a 4ª série: "Eu era péssimo aluno. Só queria mesmo é saber de jogar futebol." Para coibi-lo, sua mãe o vestia com roupas femininas. "Não adiantava nada, revelou. "Eu pulava o muro e ia jogar de saia mesmo. As pessoas passavam e diziam: 'Olha como aquela menina joga bem.'"
Trabalhou dos 16 aos 18 anos no jornal O Democrata, ligado ao Partido Comunista Brasileiro. Quando PCB foi posto na ilegalidade, em 1947, mudou para o Rio, onde quatro de seus irmãos já viviam. Conseguiu uma vaga num avião da FAB: "Era o Correio Aéreo Nacional. Eles transportavam quem não tinha dinheiro."
Foi morar com a avó e uma irmã na Tijuca. Seu primeiro emprego na cidade foi de fiscal de almoxarifado na Companhia Siderúrgica Nacional. Nas horas vagas, jogava no time da empresa. Por intermédio de um primo, entrou no juvenil do Flamengo, seu time de coração, no qual ficou como ponta-esquerda até ser convocado a servir na Polícia do Exército, aos 19 anos. "Eu era craque", disse. "Ia participar das Olimpíadas de Londres, em 1948, mas o governo não teve dinheiro para pagar a viagem."
No quartel, Barreto aprendeu a dar tiro com pistola 45 e a fazer um suco que toma até hoje, ao menos uma vez por dia: laranja com clara de ovo. "Eu estava com uma gripe danada e o médico falou que esse suco resolvia", explicou. Ao ser dispensado, ainda como soldado, em 1950, tentou retomar a carreira no Canto do Rio Football Club, time de Niterói. Não deu certo: "Não me pagaram o salário. Então fui à sede do clube, fiz xixi nos troféus e pendurei as chuteiras. Foi o fim da minha carreira esportiva."
Luiz Carlos Barreto conheceu o fotógrafo Indalécio Wanderley em 1949. Moravam na mesma rua, em Copacabana, eram cearenses e tinham uma breve experiência com jornalismo, que pretendiam retomar. "Um irmão meu conhecia o José Medeiros, o fotógrafo d'O Cruzeiro, que sugeriu que a gente se inscrevesse no concurso d'A Cigarra." As duas revistas pertenciam ao grupo Diários Associados, de Assis Chateaubriand, o grande barão da imprensa nos anos 40 e 50. Com uma reportagem sobre o Beco das Garrafas - texto de Barreto, fotos de Wanderley -, a dupla foi contratada.
No ano seguinte, o Brasil sediou a Copa do Mundo. Com a chegada da Seleção Brasileira à final, no Maracanã, O Cruzeiro resolveu escalar um fotógrafo para seguir cada jogador, dentro e fora de campo. Como a redação não contava com onze fotógrafos no Rio, Barreto e Wanderley foram chamados a participar da cobertura. "Fiquei encarregado do Zizinho, mas com a derrota não deu para fazer nada", disse. Ainda assim, acabou incorporado à equipe.
N'O Cruzeiro, Barreto se aproximou do patrão, Assis Chateaubriand. "Ele me levava em viagens pelo país e pela Europa", contou. "Foi uma grande escola. Ele era Deus e Diabo ao mesmo tempo." Chateaubriand criou e formou o acervo do Museu de Arte de São Paulo, o Masp. Fez isso extorquindo empresários: pedia doações de obras de arte, em troca de elogios - ou do silêncio - de seus jornais e revistas. "Dizem que Chateaubriand esfaqueava a burguesia, mas hoje o Masp continua aí, importante", disse Walter Lima Jr., que dirigiu o documentário Dossiê Chatô, o Rei do Brasil. Para ele, "Barreto é um pouco filhote do Chateaubriand".
Nos dezesseis anos em que ficou n'O Cruzeiro, Barreto fotografou Pelé, Garrincha, Marilyn Monroe, Frank Sinatra, Che Guevara, Fidel Castro, Getúlio Vargas, Café Filho, JK, Jânio Quadros e João Goulart. "Do Getúlio para cá, conheci e convivi com todos que mandaram no país, menos o Garrastazu", ele contou em sua produtora. Quando começou a produzir filmes, em 1962, tinha inúmeros contatos entre os que decidem as coisas no Brasil.
Depois da primeira exibição no Rio de O Filho do Brasil, no começo de novembro, para a equipe, convidados e jornalistas, Barreto entrou em seu carro, um Citröen C4 com vidro fumê, e mandou o motorista tocar para o Labo Cine, o laboratório encarregado da marcação de luz final da cópia do filme. Usava camisa rosa com as mangas dobradas, calça cáqui larga e sandálias de couro.
Chegando, beijou a mão da secretária ("Está linda!") e da diretora da empresa, Silvia Rabello: "Oi, minha presidenta!" Perguntou se poderia fazer 100 cópias do filme para enviar à Argentina. Ele acabara de passar o fim de semana em Buenos Aires, para definir a estratégia de lançamento lá.
Barreto subiu para a sala onde estava a única cópia existente, para evitar pirataria. Sentou-se diante do rolo, examinou um fotograma com a lupa e perguntou ao técnico: "Dá para aumentar em um ponto a luz? Achei que a projeção estava escura." Definidos os ajustes, se despediu da secretária ("Minha querida, um beijo!") e voltou à produtora.
Resolveu checar e-mails, que estavam impressos sobre a mesa. Contou quem eram os remetentes. "Esse é do Samuel Pinheiro Guimarães", ministro da Secretaria de Assuntos Estratégicos da Presidência da República. Guardou. "Esse é da Laís Bodanzky", a diretora de Bicho de Sete Cabeças. Anotou algo num papel e o guardou. "Esse é do Paulo Henrique Lustosa", deputado federal pelo PMDB do Ceará, relator de um projeto sobre televisão a cabo. "O projeto vai para frente, vai para trás e nunca termina", disse, e guardou o e-mail. "Esse aqui é de um mexicano pedindo o filme do Lula para fazer uma série de reportagens. Diz que é da segunda maior rede do México." Virou-se para a filha e falou: "Paula, isso deve ser pirataria." Amassou o papel e jogou no chão. "Esse é de um sujeito que viu o trailer do filme no YouTube e está falando que é puro marketing político." Jogou no chão. "Esse aqui é pessoal do filme do Woody Allen no Brasil. Os caras querem parceria." Descartou. "Esse é da revista Época. Querem que eu escreva um texto sobre o Lula, que foi eleito uma das dez personalidades do ano." Ele riu e disse: "Escrevo, mas quero saber quanto me pagam."
Pegou um boneco em miniatura do presidente, que estava sobre sua mesa, e perguntou: "Ô Paula, dá para tirar uma foto desse boneco e mandar para o Ancelmo Gois?", referindo-se ao colunista d'O Globo. Paula respondeu: "Ele acabou de ligar dizendo que adorou o filme e fez um monte de perguntas." Logo depois, recebeu uma ligação no celular da colunista Mônica Bergamo, da Folha de S. Paulo, e lhe disse: "O Fernando Henrique vai adorar o filme. Vai rever os anos de juventude dele. O Fernando é muito elegante. Você não viu como ele passou a faixa para o Lula? Dava até para ver que o candidato dele não era o Serra. Você sabe, Mônica, minha flor de criatura..."
Quando fazia uma reportagem sobre o concurso de Miss Goiás para O Cruzeiro, em 1952, Barreto conheceu uma pianista clássica de 20 anos, Lucy. O episódio é relatado no livro Anjos e Suspiros, a autobiografia de Lucíola Villela, mãe de Lucy:
Havia um clima de arte e liberdade em casa que, em determinado momento, começou a atrair outras pessoas. A Miss Goiás veio para tirar fotos. Minha sala foi utilizada como cenário. Na hora das fotos, Lucy foi ao piano e começou a tocar, criando um fundo musical. Luiz Carlos ficou encantado por ela. E vice-versa. Mas ela havia ganhado uma passagem e uma bolsa de estudos, num concurso de piano, para ir estudar música em Paris. Fez a viagem, então, e seu curso por lá. Um ano depois, Luiz Carlos foi para Paris encontrá-la. Lucy casou-se linda, ligeiramente grávida.
Jorge Audi, que foi diretor de redação d'O Cruzeiro, conta que, nos meses seguintes ao primeiro encontro com Lucy, Barreto chegava à redação em júbilo. "O Luiz Carlos, que era rebelde, grosseiro, virava um cordeirinho perto dela." Audi credita a Lucy o envolvimento de Barreto com o cinema: "Ele era um trator. E ela, o piloto. A Lucy aproveitava esse impulso do Luiz Carlos e o direcionava para onde queria. Se não fosse por ela, ele seria só mais um repórter d'O Cruzeiro, que nem a gente." Barreto costuma dizer que Lucy é "o verdadeiro Barretão".
A lua de mel dos dois foi celebrada em Veneza, durante o festival de cinema. Lucy contou que Barreto não conhecia um único ator ou diretor: "Eu tinha que ficar apontando, para que ele soubesse quem eram." De volta a Paris, ele se hospedou em um hotelzinho, em Montparnasse, e estudou três meses no Instituto de Altos Estudos Cinematográficos. Como "o curso era muito teórico", aproveitou a credencial de jornalista para visitar estúdios de cinema. Escrevia reportagens sobre os artistas franceses e, sempre que possível, encaixava nelas o patrão: "Este ano, a saison apresentou uma novidade. Tratava-se da exposição de 64 quadros, chefs d'oeuvres do Museu de Arte de São Paulo, fundado em 1947 pelo jornalista Assis Chateaubriand."
De volta ao Brasil, Barreto passou mais seis anos n'O Cruzeiro e, em 1961, numa viagem à Bahia, conheceu Glauber Rocha, que dirigia Barravento, o seu primeiro filme. No livro autobiográfico Revolução do Cinema Novo, Glauber Rocha relatou o encontro:
Luiz Carlos veio com suas máquinas modernas me ver numa tarde dominical de verão, e lhe expliquei a concepção do filme. Resumida a situação econômica e cultural do cinema brasileiro, e lançadas suas perspectivas que oscilavam entre Samuel Wainer e Assis Chateaubriand, Luiz Carlos entendeu o que se passava.
Barravento foi tema de uma capa de O Cruzeiro. Glauber Rocha tomou-se de amores por Barreto e o apresentou a outros cineastas jovens. "O Glauber precipitou minha entrada nesse mundo", disse o produtor.
No ano seguinte, por insistência de Glauber Rocha, Barreto foi diretor de fotografia de Vidas Secas, de Nelson Pereira dos Santos. Filmou sem filtro, para que a luz ficasse estourada. "Falei para o Nelson que o Nordeste, no cinema, aparecia sempre muito bonito, que faltava dramaticidade", disse. Quando o primeiro rolo foi enviado ao laboratório Líder, no Rio, Nelson Pereira recebeu uma ligação desesperada do esponsável técnico, dizendo que o negativo estava queimado. "Mas o Barreto insistiu que era assim", disse o diretor. "Pegou o copião que tinha sobrado e o levou para o cinema São Luiz, em Maceió, para provar que estava certo. Essa etapa a gente só venceu pela teimosia dele." A fotografia de Vidas Secas virou um marco do cinema nacional.
Em 1964, junto de dez diretores, dentre os quais Glauber, Farias, Nelson e Cacá Diegues, Barreto fundou a Difilm, que produziu os filmes do Cinema Novo. Foi quando deixou O Cruzeiro. "O Luiz Carlos nos apresentava aos jornalistas como se fôssemos os novos gênios da raça", disse Diegues.
A presença de Barreto entre os cineastas vinha de encontro ao maior problema da categoria até então: falta de capital. "Meu primeiro filme tinha sido financiado com empréstimo de agiota, e meu pai teve que colocar a casa como garantia, com o compromisso de pagar em 120 dias", contou Roberto Farias, diretor de Assalto ao Trem Pagador. Com o surgimento da Difilm, o financiamento passou a ser feito por José Luiz de Magalhães Lins, diretor do Banco Nacional. "O Barreto avalizava todo mundo para conseguir empréstimo."
Dez anos depois, por intermédio de Barreto, Roberto Farias seria nomeado presidente da Embrafilme, empresa pública criada pela ditadura militar para fomentar o cinema. E por que foi Farias, e não Barreto, quem primeiro presidiu a estatal? "O Barreto sabe perfeitamente onde joga melhor", respondeu o diretor. "Ele nunca aceitou um cargo público. Prefere influenciar nas nomeações. O Barreto tem uma sensibilidade muito grande para navegar no mundo político."
Com o respaldo da Embrafilme, Barreto produziu, com direção do filho Bruno, Dona Flor e Seus Dois Maridos, até hoje o maior sucesso de bilheteria do cinema nacional, com 11 milhões de espectadores. Com Dona Flor em cartaz, o produtor agiu em duas frentes. A primeira foi a fiscalização das bilheterias nos cinemas. Gustavo Dahl, à época superintendente comercial da Embrafilme, lembrou que Barreto contratou um fiscal para cada cópia, e exigiu que eles se revezassem, para não criar laços com os donos de cinemas. "Era o método de Hollywood aplicado ao Brasil", disse Dahl. "O Barreto sacou que era econômico investir nisso. Os cinemas não tinham catraca, era dinheiro vivo, sem controle nenhum. O normal era colocar fiscais nas salas que davam mais dinheiro. Mas as outras davam menos justamente pela evasão."
A segunda estratégia foi anunciar o filme massivamente na Rede Globo. Para isso, disse Dahl, Barreto contou com a ajuda de Walter Clark, o diretor geral da emissora. "O Walter Clark recebia parte da remuneração em espaço e publicidade. Normalmente, ele cobrava. Mas colocou Dona Flor de graça. Foi um nível de exposição que nunca mais se repetiu." No ano seguinte, o produtor e o diretor da Globo abriram a Clark-Barreto Produções.
Na autobiografia O Campeão de Audiência, feita com o jornalista Gabriel Priolli, Walter Clark afirmou que, com a parceria do "maior produtor de tevê" com o "maior produtor de cinema", imaginava estar criando "uma Embrafilme privada". A ideia, ele reconheceu, não deu certo:
Havia um detalhe com o Barreto para o qual eu não tinha atentado: a família dele. Barreto trabalhava num esquema mais familiar do que cantina italiana. Além dos dois filhos diretores - o Bruno e o Fábio -, a mulher dele, Lucy, é produtora-executiva e a sogra, dona Lucíola, muito amiga do Amador Aguiar, o banqueiro, era a produtora, a levantadora da grana. Todo o mundo na família - exceto a filha Paulinha e o genro Cláudio Adão, que achou melhor continuar apenas jogando bola - trabalha com cinema. E, claro, mete o bedelho em todas as decisões.
Walter Clark queria que o primeiro filme da produtora fosse dirigido por Joaquim Pedro de Andrade, e Barreto impôs o filho Bruno. A relação dos dois azedou. Clark, que morreu em 1997, prossegue no livro:
Lucy era aquele tipo de produtora que, em vez de comprar manteiga para o lanche da equipe, comprava margarina, que parece igual, mas é uma droga. Já o Barreto passava o dia todo no escritório dele, e só fazia os telefonemas internacionais quando ia para a Clark-Barreto, no final da tarde, porque quem pagava as contas era eu. Era um negócio tão ostensivo que irritava até minha secretária.
Em 1979, quando filmavam Bye Bye Brasil, de Carlos Diegues, a parceria foi desfeita. Walter Clark resumiu Barreto assim:
Ele é um sujeito absolutamente adorável no trato pessoal, cativante, sedutor. Mas conseguia ser um pulha quando se tratava de dinheiro. As pessoas amam o Barreto e depois odeiam. Ou amam e odeiam ao mesmo tempo, é difícil analisar friamente. Mesmo agora, anos depois, eu não consigo ter só raiva dele, ainda mantenho um carinho.
Depois da segunda exibição fechada de O Filho do Brasil, perguntei a Barreto se poderia almoçar com ele e a família, que já se dirigia a um restaurante. Ele pousou o braço direito sobre meu ombro, me apertou e falou: "Claro, você já é um Barreto!"
Acomodado entre Lucy e Fábio, o produtor pediu o suco de laranja com clara de ovos - no que foi repetido pelo filho. Em seguida, olhando o cardápio, filosofou: "Esse negócio de alho-poró surgiu nos anos 70. Na minha época ninguém comia alho-poró." O prato de Lucy, calzone, foi o primeiro a chegar. Barreto se aventurou a surrupiar um pedaço, mas foi recriminado por Fábio: "É da mamãe, hein?" Acalmou-se ao ver que seu ravióli também estava pronto.
Barreto sujou o queixo com molho de tomate. Lucy pegou um guardanapo para limpá-lo. Logo em seguida, Fábio se lambuzou no mesmo lugar. Paula o repreendeu: "Ô Luiz Carlos Júnior, dá para limpar essa boca?" Virando-se para mim, explicou: "Eles são muito parecidos." Para mudar de assunto, Barreto falou: " O que esse filme dá é uma nostalgia dos anos 70. A ditadura deixava a vida mais apaixonada."
No dia 16 de março de 1990, começaram os anos de chumbo do cinema nacional. Recém-empossado, Fernando Collor acabou com a Embrafilme, a pretexto de enxugar a máquina estatal. Sem o suporte financeiro do Estado, boa parte dos cineastas migrou para outras atividades. Barreto passou a distribuir filmes estrangeiros. Nelson Pereira dos Santos foi dar aula nos Estados Unidos. Diegues fez anúncios do Ponto Frio e das Raspadinhas do Rio, tendo como protagonista o comediante Costinha. "Vender sabão ou material de construção era comigo mesmo, eu era um biscateiro", lembrou.
Já em 1991, Barreto começou a se reunir com cineastas e advogados para esboçar um projeto de lei. Ele queria que empresas privadas, em vez de pagar a totalidade do imposto de renda, pudessem investir uma parte dele em filmes. O dinheiro público, por meio da renúncia fiscal, iria para os produtores de cinema. Mas seriam empresas privadas que escolheriam os produtores a serem aquinhoados, desde que eles conseguissem aprovar antes seus projetos de filmes pelo Ministério da Cultura.
Barreto partiu de armas (lábia) e bagagens (ternos) para Brasília, com o objetivo de aprovar a lei. "Eu já tinha mudado de profissão aos 35 anos, e não ia mudar de novo aos 60." Ele se hospedava e terça a sexta no Hotel Nacional ou no Kubitschek Plaza. "Eu era um lobista de plantão."
Durante um ano, Barreto frequentou o Congresso assiduamente. Formou uma base aliada heterogênea, que incluía nove partidos, entre eles o PT, o PMDB e o PSDB. "Os contínuos já me chamavam e deputado", lembrou. A coligação parecia vencedora, até que, uma semana antes de o projeto ser votado, o deputado Vivaldo Barbosa, do pdt, pediu a palavra ao então presidente da Câmara, Inocêncio Oliveira, e, segundo as atas da Casa, disse:
Sr. Presidente, Vossa Excelência acaba de me designar relator do projeto. Mas não vou fazê-lo em virtude da notícia, trazida aqui pelo deputado Mendonça Neto, de que o cineasta Arnaldo Jabor, que seria até beneficiário direto desse projeto, teria feito críticas à ação legislativa, em artigo publicado ontem na imprensa, contendo expressões as mais baixas e agressivas contra essa instituição, contra a direção geral da Casa, contra cada parlamentar e contra os políticos em geral.
O artigo em questão, publicado na Folha de S.Paulo, intitulava-se "Caras Pintadas têm de cercar o Congresso".
Aproveitando a deixa, o deputado Eliel Rodrigues, do PMDB, também pediu a palavra:
Sr. Presidente, é de estarrecer que tenhamos que apreciar neste plenário um projeto de lei dessa natureza, que garante ao cinema nacional, até o ano de 2003 - por dez anos ou mais -, incentivos que podem ser deduzidos do imposto de renda. Sr. Presidente, não há censura para a pornochanchada, não há censura para a televisão, que está prejudicando nossos filhos com novelas perniciosas, e esse projeto é uma contribuição a esse tipo de coisa. A bancada evangélica não poderá amais apoiar tal projeto.
Barreto, que acompanhava a sessão no plenário, lembra de ter pensado: "Puta que o pariu, depois de dois anos trabalhando nisso, o Jabor vai me acabar com o projeto." Virou-se para o deputado Luiz Salomão, do PDT carioca, que estava ao seu lado, e disse:
- Salomão, eu vou pedir um aparte.
- Barreto, você não pode fazer isso - disse-lhe o deputado. - Me diz o que você quer, que eu falo.
- Vou ter que esculhambar o Jabor - disse o produtor, aflito. - Fala que ele é um desertor do cinema nacional, que não é mais cineasta.
- Escreve isso num papel - disse-lhe Salomão, que, minutos depois, pediu a palavra e falou ao plenário:
Sr. Presidente, gostaria de ler aqui a nota emitida pelo presidente da Associação dos Produtores Cinematográficos, Luiz Carlos Barreto, que rebate o artigo insolente do jornalista Arnaldo Jabor, porquanto agride a dignidade dessa Casa: "Na qualidade de presidente da Associação de Produtores Cinematográficos e vice-presidente da Federação Internacional de Produtores de Filmes, repudio os termos do artigo do jornalista Arnaldo Jabor, cuja opinião não corresponde ao pensamento de mais de 60 mil trabalhadores da indústria audiovisual, que sempre mantiveram respeito e grande admiração pelo trabalho do Congresso Nacional.
O projeto foi aprovado. E, em dezembro daquele ano de 1993, o tributarista Luiz Roberto Nascimento Silva foi nomeado ministro da Cultura. Ele havia trabalhado como assistente de direção de Bruno Barreto em Dona Flor e Seus Dois Maridos. Perguntei ao advogado João Mauricio de Araújo Pinho, que ajudou Barreto na formulação da lei, se havia a mão do produtor na nomeação de Nascimento Silva. Ele riu e disse: "A mão não. Tinha a mão, o pé e a cabeça."
De 1990 a 1995, antes que a lei passasse de fato a vigorar, o cinema brasileiro viveu um hiato improdutivo. Em 1994, Cacá Diegues filmou Veja Esta Canção a um custo de 600 mil reais - conseguidos junto à iniciativa privada. "Há cinco anos que eu não dirigia um filme, e fiz isso para não enlouquecer", contou. Dois anos depois, fez Tieta do Agreste, com 2,3 milhões de reais obtidos com a lei inventada por Barreto.
Em 1997, o segundo filme que mais dinheiro captou, 3,8 milhões de reais, foi O que É Isso companheiro?, de Bruno Barreto. No ano seguinte, Bella Donna, de Fábio Barreto, conseguiu 4,2 milhões de reais em renúncia fiscal. Dois anos depois, Bossa Nova, de Bruno Barreto, conseguiu outros 4,2 milhões de reais.
Em 2005, Bruno Barreto captou 6,7 milhões de reais para dirigir O Casamento de Romeu e Julieta, com produção da LC Barreto, a empresa da família. Três anos depois, saiu do ninho familiar e dirigiu Última Parada 174 pela Moonshot Pictures. A Ancine autorizou que o filme obtivesse 8,6 milhões de reais. A produtora conseguiu menos da metade. Em 2009, Bruno voltou a trabalhar em família. A LC Barreto foi autorizada a captar 13 milhões de reais para seu próximo filme, Flores Raras e Banalíssimas.
De 1995 a 2008, 403 filmes foram produzidos com 890 milhões de reais de dinheiro público. No mesmo período, a LC Barreto foi a segunda produtora que mais dinheiro obteve em renúncia fiscal. De acordo com registros da Ancine, foram 52 milhões de reais injetados na produção de doze filmes.
A firma de Barreto ficou atrás apenas da Diler & Associados, que recebeu 86 milhões para produzir mais de 20 filmes de Xuxa Meneghel e Didi Mocó. Com a seguinte diferença: enquanto as fitas da produtora de Xuxa foram vistas por 24 milhões de espectadores, os filmes de Barreto, somados, chegaram a apenas 4 milhões. Ele estava com 2 milhões de reais em dívidas antes de começar sua última produção, O Fiho do Brasil: "E agora está para lá de 6 milhões", disse Barreto. "Não tenho vergonha nenhuma de falar isso."
"Embora uma produtora possa captar muito, o grosso do dinheiro que ela ganha vem da bilheteria", disse Sérgio Sá Leitão, presidente da RioFilme. Nessa ótica, ele constatou que Barreto vem de um longo período de bilheterias magras. O último grande sucesso de público comandado por ele foi Bye Bye Brasil, dos anos 80", disse. Sá Leitão acredita que O Filho do Brasil pode representar "uma ressurreição de Barreto como megaprodutor".
Em outubro de 2002, quando parou diante da urna eletrônica, Barreto apertou os números 4 e 5, os do candidato tucano a presidente, José Serra. Não era a primeira vez que votava contra o PT: "Só apoiei o Lula no segundo turno de 1989, contra o Collor. No primeiro, votei no Brizola. Depois votei no Fernando Henrique duas vezes, e voltei a apoiar o Lula em 2006, contra o Alckmin."
A relação de Barreto com o governo petista teve um início atritado. Gilberto Gil assumiu o Ministério da Cultura defendendo que o país precisava de um "do-in cultural", neologismo sino-baiano que significava, na prática, descentralizar a distribuição do dinheiro. A ideia era encabeçada pelo então secretário de Comunicação, Luiz Gushiken, que pretendia controlar os incentivos distribuídos pelas estatais. Em 2003, os editais de apoio ao cinema de Furnas e da Eletrobrás anunciavam que seriam agraciados os projetos que oferecessem uma "contrapartida social". Carlos Diegues classificou a política de "stalinista". Desde então, menos de 20% do dinheiro que banca todos os filmes de Barreto vêm das estatais. Eu sou enxotado de todo edital público que fazem", ele disse.
Hoje, Barreto considera o episódio um acidente de percurso do governo: "Não era a política do Lula. Era uma ideia pessoal, do Gushiken." Perguntado por que coube a Diegues - e não a ele - reclamar publicamente, Barreto respondeu: "O Cacá colocou a cara a tapa, e eu fui para o campo agir. Nós temos um know-how que vem da época da ditadura: tem aquele que briga, e tem o outro, que negocia." Barreto costuma citar uma frase de Roberto Rossellini para explicar o seu modus operandi: "O cineasta tem que ser metade Jesus Cristo, metade Al Capone."
Em agosto de 2004, Barreto ligou para Denise Paraná, autora do livro Lula, o Filho do Brasil. "Achei que pudesse ser trote", ela me disse. Marcaram um encontro para o dia 1º de setembro, no Hotel Emiliano, em São Paulo. Barreto havia terminado de ler o livro semanas antes.
A sugestão de leitura partira do chefe de gabinete do presidente, Gilberto Carvalho, durante uma reunião para discutir questões ligadas ao cinema: "Eu tinha acabado de voltar do exterior e contei para o Gilberto que antes, quando eu falava de onde vinha, as pessoas diziam: 'Brasil! Pelé!, Brasil! Ronaldo', e que agora estavam dizendo: 'Brasil! Lula.'"
Na versão de Barreto, Carvalho abriu a gaveta, colocou um exemplar do livro em suas mãos e falou: "Você quer saber quem é o Lula? Isso é o Lula." O produtor sustenta que José Dirceu não teve qualquer participação na ideia do filme: "Fui eu que dei uma cópia para ele. Mesmo o livro sendo publicado pela Editora Perseu Abramo, que é ligada ao PT, ele nunca tinha lido".
No encontro no Hotel Emiliano, Denise Paraná contou a Barreto que já tinha um argumento pronto, escrito em 2003. "Minha preocupação era que o filme fosse feito como eu imaginava, falando da relação mãe e filho." Barreto se entusiasmou. "É exatamente isso que eu quero", disse à autora.
Segundo Paula Barreto, o filme foi pensado primeiro como um "docudrama", mistura de documentário com ficção. "Vimos ABC da Greve, Eles Não Usam Black-Tie, os dois do Leon Hirszman e Braços Cruzados, Máquinas Paradas, do Roberto Gervitz e do Sérgio Toledo - tudo que era filme sobre as greves", contou Barreto, e explicou que o docudrama foi descartado por razões comerciais: "Daria um produto de audiência limitada."
Acertou-se que o roteiro seria escrito por Denise Paraná, em parceria com Daniel Tendler, genro de Fábio Barreto. "Começamos nós dois, mas discutíamos tudo com a família", Denise contou. Tendler disse que encontrava Barreto ao menos uma vez por semana: "A gente analisava linha por linha. O Barreto não escreve, mas sugere muita coisa. Ele é o melhor roteirista da produtora."
A primeira versão do roteiro, de 300 páginas, ficou pronta em agosto de 2008. Barreto é um produtor de estilo hollywoodiano - ou seja, interfere em tudo num filme, sem ligar para o conceito francês de "autoria" do diretor. Por isso, marcou um almoço em sua casa, com a presença de Denise, Tendler, Lucy e Fábio. Definiu- se que as discussões detalhadas sobre sindicato deveriam ser retiradas. "Para não ficar politizado", explicou Denise.
Os irmãos de Lula também perderam espaço. "Tinha uma cena do Jaime comemorando o casamento com um churrasquinho, como ele me contou no livro", disse Denise. "Mas o Barreto falou que a cena não funcionaria, que era preciso focar em menos personagens." Ficou decidido, também, que não se retrataria o episódio em que Aristides, o pai, compra sorvete para os filhos do segundo casamento, menos para Lula. "Já tinha o Aristides bêbado, batendo nos filhos para que eles não fossem à escola, era suficiente para caracterizá-lo", continuou Denise.
Para o tratamento final, Barreto contratou Fernando Bonassi, que assinara o roteiro de Cazuza e Carandiru. "Eu sou de uma geração que via o Barreto como inimigo público dos curtas-metragistas, nos anos 80", disse Bonassi. "Ele defendia que o orçamento deveria ficar com os longas. Falei isso para ele quando o encontrei."
Poucos dias antes do início das filmagens, Fernando Bonassi e Fábio Barreto foram recebidos por Lula no Palácio da Alvorada. "Foi uma conversa de três horas", disse Fábio. "Ele deu até sugestão de como o pau de arara deveria ser filmado, e pediu que não pegasse pesado com o Paulo Vidal." Pelego a quem Lula sucedeu na presidência do Sindicato dos Metalúrgicos de São Bernardo, Paulo Vidal, no filme, virou o personagem Cláudio Feitosa, um tipo bonachão, ainda que patronal. Bonassi contou que ele e Fábio saíram do encontro "com a impressão de que não tínhamos errado".
Na terça-feira, 17 de novembro, Barreto, Lucy e Paula pegaram um voo do Rio para Brasília, onde houve a primeira exibição pública de O Filho do Brasil. No saguão de embarque, perguntei a Paula o que ela havia achado do artigo de Elio Gaspari, publicado dias antes na Folha de S. Paulo. O jornalista criticara o fato de o filme não ter mostrado Miriam Cordeiro, ex-namorada de Lula, abandonada por ele no sexto mês de gravidez. "A gente filmou o encontro com a Miriam e o nascimento da Lurian", ela respondeu. "Foi conselho do nosso advogado não colocar. Até pensamos em incluir a história em um diálogo, mas não ficava bom." Rui Ricardo Diaz, o ator que interpreta Lula, me contou que essas cenas nunca foram filmadas. No roteiro inicial, disse Denise, Miriam aparecia em três cenas distintas e Lurian, a filha dela com Lula, em duas.
Segundo a montadora Letícia Giffoni, os Barreto e membros da equipe discutiram se o filme terminaria com o enterro de Lindu, em cenas ficcionais, ou com a posse de Lula como presidente, em imagens de arquivo. Barreto venceu a discussão. "O Luiz Carlos sempre insistiu em um desfecho para cima, que mostrasse o lado vencedor do Lula", disse Letícia Giffoni.
O Filho do Brasil, que custou 16 milhões de reais, foi o primeiro filme de Barreto a não ter usado a renúncia fiscal. "Já sabia que ia levar porrada e, se tivesse dinheiro público, ia virar um verdadeiro saco de pancada." Foi também a primeira parceria dele com a Intervídeo, do jornalista Roberto D'Ávila, frequentador assíduo de ambientes poderosos de Brasília, São Paulo e Rio. "Fui eu que procurei o D'Ávila", disse Barreto. "Ele tinha relações com o Eike Batista, que deu o pontapé inicial, doando 1 milhão de reais."
Durante a viagem, Barreto falou que pretendia se aposentar: "Depois desse filme, eu e a Lucy tiramos o time de campo." Paula riu: "É mentira, não tira nada." Entre os projetos da LC Barreto está o de levar às telas o romance Saraminda, de José Sarney. "Somos amigos há quarenta anos e, quando o livro foi publicado, o Sarney me falou: 'A história é sua.'"
Às nove da noite, em Brasília, a equipe partiu em quatro carros para o Teatro Nacional, onde ocorreria a exibição. Chegando lá, Barreto teve que atravessar um oceano tempestuoso de gente que, devido à falta de organização, se comprimia nas escadas e corredores. Irritadíssimo, ameaçou não exibir o filme: "Se estoura uma luz ou acontece alguma outra coisa, todo mundo morre. Não tem um bombeiro. É uma irresponsabilidade." Lucy, Fábio e Paula tentaram acalmá-lo. "Ô Paula, você quer ensinar um homem de 81 anos como se faz as coisas?", perguntou.
Ele exigiu que o diretor do Festival, Fernando Adolfo, viesse a sua frente, o que não aconteceu. "Se eu pudesse, dava um soco na cara desse sujeito", esbravejou, batendo o punho na mão esquerda. No dia seguinte, durante uma entrevista coletiva, Barreto agradeceria à organização do Festival. "Que o Fernando Adolfo continue à frente da mostra por vários anos", disse.
Depois da exibição, a convite da primeira-dama, o elenco e a equipe do filme foram ao Palácio da Alvorada. Durante cinquenta minutos, Lula e Marisa confraternizaram com os convidados. À uma da manhã, acompanharam o grupo até o jardim para as despedidas. Ao me ver, Barreto gritou: "Meu filho, você ainda está aí?" Pegou no meu braço, me levou para perto de Lula e falou: "Tira aqui uma foto com o presidente!"
No sábado, 27 de novembro, Barreto se reuniu com a família no apartamento do filho Bruno, em São Paulo. Além do elenco, estavam os publicitários Washington Olivetto e Nizan Guanaes, o produtor Eduardo Constantini Jr., responsável pela distribuição do filme na América Latina, e Ricardo Kotscho, o primeiro secretário de Imprensa do governo Lula.
Enquanto os convidados conversavam, Barreto colocou a mão no meu ombro, me puxou para um canto da sala e, com ar conspiratório, disse: "O que tem que ficar muito claro é que o Gilberto Carvalho só me deu o livro, e que a ideia do filme foi toda minha." Eu passara a semana tentando falar com José Dirceu - o homem que presidiu o pt, comandou a campanha de Lula, chefiou a Casa Civil e, segundo Barreto, nunca tinha lido a biografia autorizada do presidente, até ganhar um exemplar de suas mãos. Como eu duvidava de que Dirceu não tivera nenhuma participação no filme, Barreto foi enfático: "Não, nenhuma. A ideia foi minha." (Denise Paraná afirmou que Dirceu esteve presente ao lançamento da primeira versão da biografia, em 1996. "O Zé conhece superbem o livro", disse.)
Às cinco e meia da tarde, Barreto entrou em um ônibus fretado, que tomou o caminho de São Bernardo do Campo. Depois de uma hora e meia de viagem, o grupo chegou aos Estúdios Vera Cruz. Lula se sentou entre Marisa Letícia e a ministra Dilma Rousseff. Mais afastados estavam os senadores Aloizio Mercadante e Eduardo Suplicy, os deputados João Paulo Cunha e José Genoíno e o ex-ministro José Dirceu. O ex-chefe da Casa Civil se recusou a ser entrevistado sobre a produção de O filho do Brasil. "Prefiro não falar nada", ele me disse.
O filme acabou às onze e meia da noite. Com um lenço branco na mão e os olhos marejados, Lula foi cercado por políticos, artistas e sindicalistas. Barreto o acompanhou de longe, até que o presidente veio ao encontro dele e de José Dirceu. Os três cochicharam rapidamente e, na companhia de Fábio Barreto, entraram em uma sala separada, onde ficaram sozinhos por trinta minutos.
À meia-noite, Bruno Barreto voltou para seu apartamento, nos Jardins. Paula e Fábio foram para o hotel, no mesmo bairro. Lucy e Luiz Carlos Barreto ainda tinham um jantar de confraternização com José Dirceu.

Saudosismo à deriva

2009-10-16T17:07:00.005-03:00

Já faz um tempo que eu vi À Deriva, último filme do Heitor Dhalia. Minha primeira impressão foi a de um filme bonito. O azul do mar, da forma que foi tratado na imagem, deu vontade de mergulhar na tela. Como filha de pais separados, achei legal também que a historia de um amor partido tenha se dado a partir da filha. Mas hoje acho que senti o que mais ficou do filme. E olha que já faz um tempo desde que o vi. Estava ouvindo Caetano Veloso e começou a tocar Saudosismo. Na hora me deu um aperto e pensei no À Deriva. Nem lembro direito da trilha sonora, mas tenho quase certeza que não tem Caetano- acho que era só instrumental. É que me lembrei das minhas férias na praia. Assim como a Felipa, eu também era meio bobinha, dizia não quando queria dizer sim, e vice-versa. Nessas, perdi muitas chances de ser mais feliz (leia-se dar mais beijo na boca). Mas, mesmo assim tive meus momentos. Era bom demais a sensação do banho tomado, depois de passar o dia inteiro na praia, a quentura do sol ainda na pele, o olho um pouco ardente. Passar um creme e escolher a roupa para sair à noite. As vezes- a maioria- nem rolava nada demais, mas era inexplicável o sentimento de eternidade que o verão dava. Dois meses sem colocar sequer uma meia, sair escondido pra fumar na praça, assistir ao pôr do sol com os primos irmãos, esperar a primeira estrela subir e fazer pedido.
Até que o dia da partida chegava, ele sempre chega. E ai eu chorava, não sem antes correr até a praia e olhar o mar, como se fosse a última vez. Nunca vou me esquecer da vez em que comi areia, jurando voltar. Acho que já nasci saudosista, e vai, um pouco dramática.

Tom & Radamés

2009-10-12T19:23:00.004-03:00

Ainda entretida com o texto da pesquisadora Santuza Cambraia Naves, um interessante paralelo entre a trajetória de Radames Gnatalli e de Tom Jobim. "Tom compartilha com o mestre (Radames) duas atitudes: uma, a de transitar — como músico, compositor e arranjador — com desenvoltura pelos domínios do erudito e do popular; outra, a de se permitir experimentar os mais diversos estilos, operando tanto no registro da simplicidade quanto na estética do excesso. Esta maneira de atuar, característica de Radamés, permitiu que ele fizesse uma verdadeira revolução nos arranjos de música popular a partir do início dos anos 30."

Achei um vídeo dos dois, Tom Jobim de espectador e Radamés interpretando uma das músicas mais lindas do Tom, Chovendo na Roseira, toda vez que eu ouço dou um suspiro bem gostoso, ai ai...

Bim Bom

2009-10-12T19:01:00.002-03:00

Como tudo que é incorporado na memória coletiva, a Bossa Nova tem seus lugares-comuns. Um deles é a de que a nova música foi uma ruptura com a tradição de excessos do samba-canção e do jeito de interpretar dos músicos da Rádio Nacional, como Orlando Silva e Dalva de Oliveira.

Fuçando na internet, achei um artigo muito bacana de uma pesquisadora mineira radicada no RJ, Santuza Cambraia Neves. DA BOSSA NOVA À TROPICÁLIA: contenção e excesso na música popular ^*, disponível na página do Scielo, um site com vários textos acadêmicos grátis.

Chamou-me atenção a ênfase da autora para a bossa-nova além João Gilberto. Primeiro ela assume sua genialidade, atribuindo a ele o status de engenheiro, conceito desenvolvido por Jacques Derrida e que designa aquele que constrói seu discurso a partir de si mesmo. Se João Gilberto construiu uma nova forma de tocar e cantar, existiram outros representantes da Bossa Nova com trajetórias diversas. Ela cita Roberto Menescal e Carlos Lyra, e a declarada influência de Ravel, Debussy, e dos boleros de Lucho Gatica. Isso me fez lembrar de quando entrevistei Carlos Lyra, a propósito dos 50 anos da Bossa Nova, em 2007, para o Jornal da Tarde. Fiquei curiosa para rever a entrevista, que posto aqui. Nela, Lyra diz que a Bossa não foi ruptura com o samba-canção, citando como exemplo o primeiro disco de Silvinha Telles que trazia de um lado um samba-canção de Lyra, e de outro um de Tom Jobim. "Nem existia João Gilberto", diz ele.

"O povo não entende a Bossa"

Músico diz por que não vê Tom Jobim como ícone e desabafa sobre a falta de cultura no País

Georgia Nicolau

Para alguns, foi um movimento datado que durou apenas enquanto uma certa classe média carioca ainda acreditava no Brasil e no projeto desenvolvimentista de Juscelino Kubitschek. Mas, quase 50 anos depois do lançamento do compacto de um 'tal violonista' baiano chamado João Gilberto, com as canções Chega de Saudade, de Tom Jobim e Vinicius de Moraes, e Bim Bom, do próprio, a bossa nova continua viva nas telenovelas brasileiras, em elevadores e na voz de artistas como Luciana Souza, Bebel Gilberto e Cibelle.

Para começar os festejos de meio século do movimento, a partir dessa quinta-feira até o final do ano, o Tom Jazz recebe o evento Agenda Bossa Nova. Serão ao todo 26 apresentações que reunirão ícones da Bossa como Carlos Lyra, Leny Andrade, Alaíde Costa, Os Cariocas, Marcos Valle, Roberto Menescal, João Donato e novos talentos.

A primeira temporada (nos dias 13, 14 e 15) será com o cantor e compositor Carlos Lyra. Parceiro de Vinicius de Moraes em clássicos como Minha Namorada e Coisa Mais Linda, Lyra foi um dos fundadores do Centro Popular de Cultura da União Nacional dos Estudantes, o famoso CPC da UNE, que reuniu um setor da música brasileira com um projeto de atuar politicamente por meio da arte.

Morando em Ipanema desde da volta do auto-exílio durante a ditadura, Lyra falou ao JT, por telefone, sobre os 50 anos da Bossa Nova, política e cultura.

No livro 'Chega de Saudade', de Ruy Castro, o autor diz que seus ídolos quando adolescente eram Johnny Alf e o violonista Garoto. Quem são seus ídolos hoje?

Ravel, Debussy, Chopin, Villa-Lobos e Lucho Gatica, que cantava bolero. O bolero é muito importante porque o samba-canção é o bolero brasileiro e a bossa nova começou com o samba-canção. Não começou com batidinha de violão, não. Isso veio depois. No primeiro disco da (cantora) Silvinha Telles, ela cantava um samba-canção meu de um lado e do Tom Jobim do outro. Nem existia João Gilberto. Antes de mais nada, bossa nova é composição. Agora, a interpretação de João Gilberto é muito importante. Ele deu um caminho, uma maneira de interpretar. Já existia a melodia, o ritmo e a composição. Faltava interpretação.

Existe algum 'pai' do movimento Bossa Nova?

Existe uma mãe. Eu sou meio matriarcal, meus grandes heróis são quase todos mulheres. A mãe da Bossa é a classe média. Ela nasceu da classe média. Se não fosse por isso, não duraria 50 anos. Seria uma música de geração e teria acabado lá.

De onde vem a identificação?

A bossa é culta, tem cultura universal. Tem influência de Ravel, Debussy, do jazz americano, da canção francesa. E todas essas coisas estabelecem uma identificação com a classe média do mundo inteiro. No exterior, eles pagam caro, bem. Eu só moro aqui porque é bonito (risos).

O que você acha de o Tom Jobim ter se tornado um ícone no Brasil e no mundo?

Acho que o Tom foi um dos maiores compositores que já tivemos. Mas, para mim, ele não é um ícone, não, porque era meu companheiro, meu colega. Não o vejo como uma coisa muito distante. Ele era meu fã, escreveu no meu songbook coisas lindas sobre mim. Adoro o que ele faz porque eu entendo.

Mas a mídia acabou elegendo algumas pessoas...

A mídia está aí para isso, transformar pessoas em ícones. Mas o Tom, para mim, é um colega.

Existe algum ressentimento seu pelo fato de a bossa ter virado 'sinônimo' de Tom Jobim, Vinicius e João?

Não. Existe uma certa decepção pelas pessoas não entenderem a bossa nova. Elas falam que é Tom, Vinícius e João e não é - tem mais coisa. É toda uma geração de músicos, compositores e artistas sem a qual a bossa não teria existido. Dizem que a bossa nova nasceu na casa da Nara Leão. Besteira. Dizem também que é um estado de espírito. Outra besteira. Um monte de bobagem... Dizem que é samba, mas tem muito mais coisa. Bossa nova tem valsa, baião, modinha, samba-canção, marcha-rancho, tantos ritmos, não é só samba, não.

Como o senhor definiria a Bossa Nova? É um movimento classe média, afinal?

Bossa nova é música feita pela classe média para a classe média. Infelizmente, é por isso que ela não tem tanta força com o povão. O povão não entende porque a bossa nova tem cultura e o povão não tem cultura. O Bolsa-Família nunca vai entender a bossa direito. É o que falta no Brasil: cultura. Diziam que bossa nova era elite. Se você está dizendo que cultura é elite está dizendo outra besteira. Cultura é uma coisa que eu queria que todo brasileiro tivesse. Ao invés de Bolsa Família, que tivéssemos gente culta nas escolas, que não houvesse analfabetos nem famintos. A bossa é culta, mas não quer dizer que seja de elite.

sabia!

2009-10-05T18:02:00.001-03:00

"Como boa virginiana, vivo no Caos, por isso prefiro a Ordem."

da cineasta Tata Amaral no programa Provocações de sexta. Finalmente alguém me entende!!!

Um dia

2009-09-21T17:09:00.000-03:00

Ilustra de Tulipa Ruiz

De vez em quando, a eira e a beira se perdem, os caminhos ficam um pouco confusos, as costas doem, coisas estranhas acontecem. Mas é assim também, do nada, que coisas boas acontecem. Como quando subindo de um mergulho no mar, você abre os olhos e se sente simplesmente feliz. Ou quando cortam a água da sua casa, você pega sua bolsa vermelha de bolinhas, enche a necessaire com creminhos cheirosos e vai tomar banho em outro chuveiro. Chegando lá, o chuveiro é tão gostoso. E ai, bom, dá vontade de que cortem a água todos os dias na sua casa. Tudo isso para dizer que algum dia desses abri o blog da amiga Nana, uma amiga sumida, mas que, por meio do blog dela, deixa a gente compartihar um pouquinho da vida com ela. E ai tava essa poesia da Célia Musilli, que eu não conhecia, mas que também tem um blog muito legal. Li a primeira vez e já quis saber quem era essa que conseguia, de maneira aparentemente tão fácil e espontânea, dizer tudo que tenho pensado sobre a vida. Ou que pelo menos tento, mesmo quando a eira e a beira pedem recesso.

Quase uma oração

"Um dia a gente acorda e percebe que mudou, depois de levar muita porrada e ter os ossos moídos junto aos sonhos.
Um dia a gente acorda e percebe que nem toda mudança precisa ser amarga,
embora o que nos mova quase sempre seja a dor, esta parceira do imprevisto.
Um dia a gente acorda e descobre do lado do avesso um espaço zen, uma espécie de paz interior que nos adula e acaricia,
como se a mãe voltasse a nos pegar no colo.
Neste dia, inexplicavelmente,
decidimos que o melhor a fazer
numa manhã é plantar um girassol
só para ver, dali a um tempo,
sem angústia, dilema ou rejeição,
que a vida dança a dança dos dervixes...
e que a nossa entrega à vida
é um ritual sem hoje nem amanhã.
A felicidade pode ser o ato de movimentar -se
como os girassóis, para lá e para cá,
só pra ver onde começa e onde termina o dia...
sem pressa.
Os acontecimentos não nos pertencem."

Célia Musilli

A Human Being That Was Given to Fly

2009-09-14T16:33:00.001-03:00

dias que ficam na memória: 3/12/2005, Pacaembú

This Is The End

2009-09-09T17:02:00.000-03:00

Sanfoneando

2009-09-03T13:43:00.005-03:00

Milagre em Santa Luzia, documentário sobre a sanfona em cartaz em São Paulo, Rio de Janeiro e Santos, me lembrou O Ultimo Bandoneon em vários momentos.

Isso é mérito mais da pesquisa do que propriamente do filme. As melhores partes do filme são as entrevistas com os mestres populares da música brasileira. Gente como Arlindo dos 8 Baixos, Camarão, o hilário Pinto do Acordeon. Arlindo teve diabetes e ficou cego, mas continua tocando e componto lindamente. Todo domingo, faz um forró em sua casa, no Recife. O Forró de Arlindo recebe sempre convidados, tornando-se um lugar onde qualquer um pode presenciar o que de melhor tem a musica brasileira.

O filme então sai do nordeste e viaja pelo Pantanal, Rio Grande do Sul até chegar a São Paulo, as duas São Paulo: a caipira e a contemporânea. Conheci músicos que nunca tinha ouvido falar, ritmos como o varejão, ode a tradição sulista, o chamamé dos pantaneiros, a mistura de Quartcheto, o universal de Toninho Ferragutti.

Fiquei pensando em como o Brasil (e a expressão humana, de modo geral) é emocionante. Como um mesmo instrumento, e que instrumento, consegue produzir efeitos tão adversos em uma musica, dependendo do estado de espírito, e do estado geográfico.

No nordeste, o baião e o forro, de seu Luis Gonzaga, podem ora ser tristes, melancólicos (Triste Partida, poema de Patativa do Assaré musicado por Luis Gonzaga, já traz no nome o adjetivo. No filme, Dominguinhos chora ao tocar a musica e lembrar de sua própria partida, com a família em um pau de arara em direção ao Rio de Janeiro). Mas o forró pode ser também uma alegre celebração da vida.

Vale a pena ver Milagre por vários motivos: A declaração de amor dos músicos à sanfona. De várias maneiras, de Sivuca a Arlindo dos 8 baixos. Ou do gaúcho Bagre Fagundes que diz que um homem é apenas um homem, até pegar no acordeom, uma vez com o instrumento no solo, ele cresce, imponente, como o som que sai deste que se assemelha ao pulmão, enchendo e esvaziando o ar, conforme a musica sai, as vezes melancólica, por vezes ensolarada, alegre, celebrativa, contemplativa. Para todos os momentos da vida.

No site do filme tem uma pequena sinopse dos músicos: www.milagredesantaluzia.com.br

A hipótese comunista

2009-08-27T14:48:00.002-03:00

Texto de SLAVOJ ZIZEK que saiu na Revista Piauí de julho de 2009.

Em contraste com a imagem clássica dos proletários que não têm "nada a perder além dos seus grilhões", o que nos une é o perigo de perdermos tudo: nosso meio ambiente, nosso patrimônio genético e a possibilidade de nos comunicarmos livremente

Em um magnífico texto curto, "Notas de um Publicista" - escrito em fevereiro de 1922, quando os bolcheviques, depois de, contra todas as expectativas, vencerem a guerra civil, precisaram recuar, adotaram a Nova Política Econômica e admitiram uma liberdade de ação muito mais ampla para a economia de mercado e a propriedade privada -, Lênin usa a analogia de um alpinista obrigado a retroceder em sua primeira tentativa de chegar a um novo pico para descrever o que significa o recuo num processo revolucionário, e como pode ser levado a cabo sem, oportunisticamente, trair a causa:

Imaginemos um homem que escala uma montanha muito alta, íngreme e até então inexplorada. Vamos supor que ultrapassou dificuldades e perigos inéditos, conseguindo atingir um ponto muito mais alto que qualquer um dos seus antecessores, mas que ainda não chegou ao cume. Ele se vê numa posição em que não é só difícil e perigoso prosseguir, na direção e pelo trajeto que escolheu, mas positivamente impossível.

Seria mais que natural, para um alpinista nessa posição, escreve Lênin, passar por "momentos de desânimo". E o mais provável é que esses momentos se tornassem mais frequentes e difíceis caso ele pudesse escutar as vozes dos que se encontram ao pé da montanha, e "por um telescópio, a uma distância segura, acompanham sua perigosa descida":

As vozes que vêm de baixo ressoam com alegria maldosa. Nem se preocupam em ocultá-la, riem com gosto e exclamam: "Ele vai cair de uma hora para outra! E é bem-feito para esse lunático!"

Felizmente, prossegue Lênin, nosso excursionista imaginário não tem como escutar as vozes dessas pessoas. Se ouvisse, "é provável que o deixassem nauseado, e a náusea, dizem, não ajuda ninguém a manter a lucidez mental e os pés firmes, especialmente em altitudes elevadas".

Mais adiante, Lênin aborda a situação que a recém-nascida República soviética enfrentava naquele momento:

O proletariado da Rússia atingiu uma altitude gigantesca em sua revolução, não só em comparação com 1789 [tomada da Bastilha] e 1793 [execução de Luis xvi, proclamação da República e Terror], mas também com 1871 [Comuna de Paris]. Precisamos avaliar o que fizemos e deixamos de fazer, da maneira mais desapaixonada, clara e concreta possível. Se o fizermos, conseguiremos conservar a lucidez. Não sofreremos de náusea, ilusões ou desânimo.

E conclui:

Estão perdidos os comunistas que imaginam ser possível levar a cabo uma tarefa tão memorável quanto a construção das fundações da economia socialista (especialmente num país de pequenos camponeses) sem cometer erros, sem recuos, sem numerosas alterações do que ficou incompleto ou foi feito da maneira errada. Os comunistas que não têm ilusões, que não se entregam ao desânimo e preservam sua força e flexibilidade para "começar do começo" repetidas vezes, para dar conta de uma tarefa extremamente difícil, não estão perdidos (e muito provavelmente não haverão de perecer).

Eis Lênin no que melhor tem de beckettiano, prefigurando a frase de Worstward Ho [Rumo ao Pior]: "Tente de novo. Fracasse de novo. Fracasse melhor." Sua conclusão - começar do começo - deixa claro que não está falando de simplesmente reduzir a velocidade e consolidar o que foi realizado, mas de descer todo o caminho de volta até o ponto de partida: deve-se começar do começo, não do ponto alcançado na tentativa anterior. Nas palavras de Kierkegaard, um processo revolucionário não é um progresso gradual, mas um movimento repetitivo, um movimento de repetir o começo e voltar a repeti-lo muitas vezes.

Onde nos encontramos hoje, depois do désastre obscur de 1989? Como em 1922, as vozes que vêm de baixo ressoam à nossa volta com alegria maldosa: "Bem-feito para esses lunáticos que tentaram impor sua visão totalitária à sociedade!" Outros tentam ocultar seu regozijo maldoso, gemem e erguem para o céu os olhos cheios de dor, como se dissessem: "Como nos faz sofrer ver nossos medos justificados! Como era nobre sua visão de criar uma sociedade justa! Nosso coração batia em uníssono com o seu, mas a razão insistia em nos dizer que seus planos só podiam acabar em miséria e em novas restrições à liberdade!" Ao mesmo tempo em que recusamos qualquer acordo com essas vozes sedutoras, precisamos definitivamente começar do começo - não para continuar a construir com base nas fundações da era revolucionária do século xx, que durou de 1917 a 1989, ou, mais precisamente, 1968 - mas descer de volta até o ponto de partida e escolher outro caminho.

Mas como? O problema definidor do marxismo ocidental tem sido a ausência de um sujeito revolucionário: como é que a classe trabalhadora não completa a sua passagem de classe em si a classe para si e não se constitui como agente revolucionário? Foi essa pergunta que forneceu a principal raison d'être para que o marxismo ocidental recorresse à psicanálise - evocada para explicar os mecanismos libidinais inconscientes que impedem o surgimento de uma consciência de classe, e que estão inscritos no próprio ser, ou na situação social, da classe trabalhadora.

Dessa maneira, a verdade da análise socioeconômica do marxismo foi posta a salvo: não havia razão para ceder terreno a teorias revisionistas envolvendo a ascensão das classes médias. Por esse mesmo motivo, o marxismo ocidental envolveu-se também na procura constante de outros, que pudessem desempenhar o papel de agente revolucionário, como um ator substituto que está a postos para ocupar o lugar da classe trabalhadora indisposta: os camponeses do Terceiro Mundo, os estudantes e intelectuais, os excluídos.

É possível, também, que essa busca desesperada pelo agente revolucionário seja a forma assumida pelo seu oposto exato: o medo de encontrá-lo, de reconhecê-lo onde ele já se agita. Esperar que outro trabalhe no nosso lugar é uma forma de racionalizar a nossa inatividade.

É contra esse pano de fundo que Alain Badiou sugeriu a reafirmação da hipótese comunista [leia na piauí-_23]. Ele escreve:

Se precisarmos abandonar essa hipótese, então não valerá mais a pena fazer nada no campo da ação coletiva. Sem o horizonte do comunismo, sem essa Idéia, nada no devir histórico e político tem qualquer interesse para um filósofo.

No entanto, prossegue Badiou:

Aferrar-se à Idéia, à existência da hipótese, não significa que sua primeira forma de apresentação, tendo como foco a propriedade e o Estado, precise permanecer inalterada. Na verdade, o que cabe a nós filósofos como tarefa, e até mesmo obrigação, é ajudar no surgimento de uma nova modalidade de existência da hipótese comunista.

É preciso tomar cuidado para não ler essas linhas à maneira kantiana, concebendo o comunismo como uma Idéia reguladora, e ressuscitando assim o espectro do "socialismo ético", que tem a igualdade como sua norma ou a priori. Em vez disso, é preciso observar a referência precisa a um conjunto de antagonismos sociais que gera a necessidade do comunismo: a boa e velha idéia marxista do comunismo não como um ideal, mas como um movimento que reage a contradições reais.

Tratar o comunismo como Idéia eterna implica que a situação que o gera não é menos eterna, e que o antagonismo ao qual o comunismo reage sempre estará presente. E a partir daí estaremos a um passo apenas de uma análise desconstrutiva do comunismo como um sonho de presença, um sonho que se alimenta da sua própria impossibilidade.

Embora seja fácil rir da idéia de Francis Fukuyama do "fim da História", hoje a maioria é fukuyamista. O capitalismo liberal-democrata é aceito como a fórmula finalmente encontrada da melhor sociedade possível. Tudo que se pode fazer é torná-lo mais justo, tolerante e por aí afora. E uma pergunta simples, mas pertinente, surge aqui: se o capitalismo liberal-democrata é, senão a melhor, mas a menos pior das formas de sociedade, por que não simplesmente resignar-nos a ele de um modo maduro, ou mesmo aceitá-lo sem restrições? Por que insistir, contra ventos e marés, na hipótese comunista?

Não basta permanecer fiel à hipótese comunista: é preciso localizar na realidade histórica antagonismos que transformem o comunismo numa urgência de ordem prática. A única questão verdadeira dos dias de hoje é a seguinte: será que o capitalismo global contém antagonismos suficientemente fortes para impedir a sua reprodução infinita?

Quatro antagonismos possíveis se apresentam: a ameaça premente de catástrofe ecológica; a inadequação da propriedade privada para a chamada propriedade intelectual; as implicações socioéticas dos novos desenvolvimentos tecnocientíficos, especialmente no campo da engenharia genética; e por último, mas não de importância menor, as novas formas de segregação social - os novos muros e favelas. Devemos notar que existe uma diferença qualitativa entre o último, o abismo que separa os excluídos dos incluídos, e os outros três, que se referem aos domínios do que Michael Hardt e Antonio Negri chamam de commons [aquilo que é comum a todos, que é público] - a substância compartilhada do nosso ser social, cuja privatização é um ato violento ao qual se deve resistir, se necessário, pela força.

Primeiro, existem os commons da cultura, as formas imediatamente socializadas do capital cognitivo: basicamente a linguagem, nosso meio de comunicação e educação, mas também a infraestrutura compartilhada, como os transportes públicos, a eletricidade, os correios etc. Se Bill Gates conseguisse o monopólio, teríamos chegado à situação absurda em que um determinado indivíduo deteria a propriedade privada do software que constitui a trama da nossa rede básica de comunicação.

Segundo, existem os commons da natureza exterior, ameaçada pela poluição e a exploração - do petróleo às florestas, e passando pelo próprio habitat natural.

Em terceiro, os commons da natureza interior, o patrimônio biogenético da humanidade.

O que todas essas lutas têm em comum é a consciência do potencial destruidor - ao ponto da autoaniquilação da própria humanidade - se a lógica capitalista levar à apropriação desses commons. E é isso que favorece a ressurreição da noção de comunismo: ela nos permite ver a apropriação paulatina dos commons como um processo de proletarização no qual os excluídos perdem a sua própria substância; um processo que é mais uma forma de espoliação. A tarefa, hoje, é renovar a economia política da espoliação - por exemplo, a espoliação dos anônimos "trabalhadores do conhecimento" pelas empresas nas quais trabalham.

Contudo, é apenas o quarto antagonismo, o dos excluídos, que justifica o termo comunismo. Não existe nada mais privado do que uma comunidade estatal que perceba os excluídos como uma ameaça, e se preocupe em mantê-los à devida distância. Noutras palavras, nessa série de quatro antagonismos, o crucial é o que se dá entre os incluídos e os excluídos: sem ele, todos os demais perdem o gume subversivo. A ecologia se transforma num problema de desenvolvimento sustentável; a propriedade intelectual, num complexo desafio para as leis; a engenharia genética, numa questão de ordem moral.

Pode-se lutar com sinceridade pelo meio ambiente, defender uma noção mais ampla de propriedade intelectual, ou se opor ao patenteamento de genes, sem confrontar o antagonismo entre incluídos e excluídos. Mais ainda: algumas dessas lutas podem ser formuladas em termos dos incluídos ameaçados pela poluição dos excluídos. Dessa maneira, não alcançamos uma autêntica universalidade, mas só interesses "privados" no sentido kantiano.

Empresas como a Whole Foods ou a Starbucks continuam a usufruir de boa reputação entre os liberais, embora ambas combatam os sindicatos. O segredo delas é a venda de produtos com certo matiz progressista: grãos de café comprados a preços compatíveis com o "comércio ético, justo e solidário", o uso de dispendiosos veículos híbridos etc. Em suma, sem o antagonismo entre os incluídos e os excluídos, podemos nos encontrar num mundo em que Bill Gates é o maior dos filantropos, combatendo a pobreza e a doença, e Rupert Murdoch é o maior dos ambientalistas, mobilizando centenas de milhões de pessoas por meio de seu império midiático.

O que é preciso acrescentar, indo além de Kant, é que existem grupos sociais que, por conta de não ocuparem um lugar determinado na ordem "privada" da hierarquia social, surgem como representantes diretos da universalidade: são o que Jacques Rancière chama de "parte de parte alguma" do corpo social. Toda proposta política de caráter genuinamente emancipador é gerada pelo curto-circuito entre a universalidade do uso público da razão e a universalidade da "parte de parte alguma". Esse já era o sonho comunista do jovem Marx - reunir a universalidade da filosofia com a universalidade do proletariado. Desde a Grécia Antiga, temos um nome para a intrusão dos excluídos no espaço sociopolítico: democracia.

A noção liberal predominante da democracia também trata dos excluídos, mas de modo radicalmente diverso: concentra o foco na sua inclusão como vozes minoritárias. Todas as posições devem ser ouvidas, todos os interesses levados em conta, os direitos humanos de todos precisam ser assegurados, todos os modos de vida, todas as culturas e todas as práticas respeitadas, e assim por diante. A obsessão dessa democracia é a proteção de todos os tipos de minorias: culturais, religiosas, sexuais etc. A fórmula da democracia, aqui, consiste na negociação paciente e no compromisso.

O que se perde nela é a universalidade corporificada nos excluídos. As novas medidas políticas de caráter emancipador não serão mais produzidas por um determinado agente social, mas por uma combinação explosiva de diversos agentes. Em contraste com a imagem clássica dos proletários que não têm "nada a perder além dos seus grilhões", o que nos une é o perigo de perdermos tudo. A ameaça é sermos reduzidos a um sujeito cartesiano abstrato e vazio, privado de todo o nosso conteúdo simbólico, com nossa base genética manipulada, vegetando num meio ambiente inabitável. Essa tríplice ameaça transforma-nos a todos em proletários -reduzidos a uma "subjetividade sem -substância", como define o Marx dos Grundrisse [esboços de crítica da economia política]. A figura da "parte de parte alguma" nos confronta com a verdade da nossa posição. E o desafio ético-político é nos reconhecermos nessa imagem.

Mais um

2009-08-24T18:37:00.004-03:00

Rui e Vani estão de volta. Os Normais 2- A Noite Mais Maluca de Todas estreia essa sexta, dia 28. Com 400 cópias, um número super alto para filmes brasileiros, que se não me engano nenhum filme atingiu desde a retomada, Os Normais 2 promete ser mais um sucesso de publico do cinema nacional. 2009 já teve Se Eu Fosse Você 2, Divã - que aliás é do mesmo diretor de Os Normais, José Alvarenga Jr-, A Mulher Invisível. Será que o segundo filme da série vai ultrapassar o milhão de espectadores?

Bom, o filme é engraçado, de um humor muito mais inteligente e autêntico do que A Mulher Invisível e Se Eu Fosse Você 2. Depois de 13 anos juntos, Rui e Vani estão meio em crise... sabe como é, a frequência do sexo é uma curva decrescente... então, eles partem em busca de alguém que tope fazer um ménage com eles. E ai as candidatas são todas Globetes, como quase todos os Globo Filmes são. Alinne Moraes, Claudia Raia, Drica Moraes...

Vale a pena prum domingo chuvoso como o de ontem. Pipoca e coca-cola como companhia.

p.s- blog de cara nova, graças ao meu amigo, mais conhecido como WikiPet, P.Pessoa!

Coração Vagabundo

2009-07-24T16:48:00.004-03:00

Aproveitando para tirar pó dos textos antigos... Coração Vagabundo, filme sobre Caetano Veloso só conseguiu estrear agora, mas em 11/06/2008, na Revista de Cinema, escrevi sobre ele o seguinte texto. Hoje em dia acrescentaria coisas, mudaria, mas resolvi deixar o original. O que mais falta, na minha opinião, é uma crítica mais concreta ao filme. Com tanto material na mão, o diretor, com certeza por imaturidade, poderia ter feito muito mais. A participação de Antonioni, por exemplo, se resume a uma palavra!

Por Georgia Nicolau

No disco “Araçá Azul”, de 1972, Caetano Veloso cantou Julia na canção “Julia, Moreno”, sua filha que nasceria cinco anos depois, mas que sobreviveria apenas alguns dias. É ao lado dela e do pai em Santo Amaro da Purificação, sua cidade natal, que Caetano quer ser enterrado.

Normalmente discreto sobre a vida pessoal, essa e outras confissões Caetano mostra no documentário “Coração Vagabundo”, que tem estréia no circuito comercial prevista para o segundo semestre. O filme é a primeira produção da agência publicitária Cine, fundada pelo diretor Clovis Mello e o produtor Raul Doria e que há tempos tem vontade de entrar no restrito meio do cinema no País.

O responsável pelo registro e pelo primeiro filme da Cine é o diretor paulistano Fernando Grostein Andrade, que na época das filmagens tinha apenas 23 anos. Num misto de sorte e cara de pau, Andrade, publicitário da Cine, conseguiu estrear no cinema acompanhando nada menos do que um dos maiores ícones da música popular brasileira, em turnê internacional de lançamento do disco “Foreign Sound”, em 2004.

Tudo começou com um convite da então mulher de Caetano e ainda hoje sua empresária, Paula Lavigne, para que Andrade dirigisse um DVD musical de lançamento de “Foreign” no Baretto, em São Paulo. De lá, saíram cenas descontraídas do músico como ele fazendo a barba pelado no banheiro, com Paula perguntando, “ele não é lindo?”, ou fazendo piada com o termo Pocket Show.

O diretor resolveu acompanhar o músico por Nova York e Japão para fazer um making of. Ainda sem a idéia de transformar o material em filme, seguiu o compositor pelas ruas da metrópole americana, fazendo perguntas espontâneas. “Fui o seguindo com uma câmera digital. Acho que deixei à vontade, fiz algumas perguntas, mas procurei deixar o silêncio.”

Em determinado momento, Andrade pergunta por que, apesar de todo o sucesso, temporada de shows no disputado Carnegie Hall, críticas elogiosas no “The New York Times”, Caetano não parecia estar se sentindo à vontade. “Eu saí de Santo Amaro com 18 anos de idade. Não sou uma pessoa de São Paulo, que já nasce achando que está no mundo", respondeu o músico.
A resposta representou, para o diretor, o começo do filme. Jovem, rico e paulistano, Andrade se surpreendeu com a frase. Viu ali um mito se esvaindo e percebeu que tinha um grande material nas mãos. Acompanhava uma turnê internacional, de um disco de canções americanas, interpretadas por um músico brasileiro festejado dentro e fora do seu País. E que apesar de tudo, conservava ainda sua identificação com o menino do interior da Bahia.

Sem a pretensão de explicar Caetano ou contar sua biografia de forma didática e linear, Andrade resolveu então fazer um filme sobre o baiano universal. Além de filmá-lo em temporada no Carnegie Hall em Nova York, e depois por mais três cidades do Japão, entrevistou o músico David Byrne e os cineastas Pedro Almodóvar e Michelangelo Antonioni.

Para conectar as cidades, a câmera viajou por trilhos de trens e metrôs japoneses. “Quis mostrar diferentes culturas, os japoneses dormindo no metrô. Foi a solução que encontrei para unir as três cidades japonesas e o Caetano de uma forma lírica.”

Em certo momento, um monge budista de um templo que a equipe visitava se aproxima de Caetano e confessa ser fã da música “Coração Vagabundo”. Desconcertado, o artista explica que fez a música quando era muito jovem. Assim nasceu o nome do longa.
Foi só depois de tudo filmado que Andrade contou ao seu personagem que pretendia fazer um filme sobre ele. Receoso no começo, após assistir algumas cenas, Caetano acabou dando carta branca.

Hoje com 27 anos, Fernando admite que em seus próximos filmes, projetos que ele ainda não revela, vai buscar uma organização melhor. “Não sei se hoje eu teria entrado na loucura que eu entrei, o processo foi todo ao contrario. Fiz o filme sem dinheiro, muito levado pela empolgação, ansiedade do momento.” Só depois, com ajuda de Lavigne e de Raul Doria, da Cine, conseguiu uma co-produção com a Teleimage e o patrocínio de um banco.

Stella

2009-06-09T18:04:00.001-03:00

Sobre aqueles momentos em que por pouco, nos transformamos em outra.
Stella estreia quinta-feira, dia 11, nos cinemas.

Gosto de Caramelo

2009-06-04T15:29:00.003-03:00

Em meio a tantos filmes iguais, de vez em qdo a gente assiste um que te traz ternura. No meu caso, assisti dois no mesmo dia, Stella e Caramelo. Stella sobre uma menina linda que vive na periferia de Paris e seu processo de aprendizado na vida.
Caramelo é sobre amizade feminina, justo eu que amo tanto as mulheres. Aproveitando que sábado estarão quase todas reunidas (com algumas poucas e sentidas ausências) posto o texto que escrevi sobre Caramelo para o Bom de Humor. Vale a pena assistir, a delicadeza do filme me lembrou A Banda, do israelense Eran Kolirin. Reparem na beleza extraordinária da diretora Nadine Labaki, que também atua no filme como Layale, além de ter escrito o roteiro. Essa é poderosa!!!!

Uma mulher pode ser feliz ao lado de seu companheiro, sentir-se realizada com os filhos que criou, ser preenchida pelo amor da família. Mas nenhuma mulher sente-se completa sem ter amigas para comentar tudo isso. Mulheres são essenciais na vida de outras mulheres; elas são compreensivas, solidárias, divertidas, protetoras.

E como seriam esses laços em um país tão distante quanto o Líbano? Exatamente iguais, mas com um tempero diferente. Caramelo, de Nadine Labaki é um filme sobre mulheres modernas em um país com fortes regras morais.

A história se passa no mais feminino dos lugares, um salão de beleza. Afinal, quantos segredos não são contados entre uma secada e outra, na capital do Líbano, Beirute. O filme traz o dia a dia das mulheres que ali trabalham e algumas de suas clientes.

Nadine Labaki, diretora e co-roteirista também protagoniza o filme. Ela é Layale, a dona do salão. Como a maioria das mulheres cristãs de 30 anos no Líbano, ela mora com seus pais, e apesar da beleza e da competência profissional, a buzina de um homem casado com quem mantém um relacionamento secreto é capaz de fazê-la desligar o secador e sair correndo.

Suas funcionárias e amigas do salão são Nisrine (Yasmine Al Masri), uma muçulmana que está prestes a casar, mas carrega um peso que precisa ser solucionado; ela perdeu a virgindade com alguém que não seu marido e Rima (Joanna Moukarzel), que não diz, mas todos ali percebem sua dificuldade em assumir sua opção sexual.

Cliente assídua do salão, Jamale (Gisele Aouad) é uma cinquentona que usa adesivos nos olhos para parecer mais nova, e que por tentar ser o que não é, entra em trapalhadas atrás de trapalhadas. Por fim, a costureira Rose (Sihame Haddad), que não consegue se livrar do peso de cuidar de sua irmã maluca, a hilária Lili (Aziza Semaan).

O filme não aborda diretamente os problemas políticos, praticamente as únicas notícias que recebemos do Oriente Médio, mas trata de contar como é a vida das pessoas naqueles paises.

Caramelo é sobre mulheres com problemas reais, mulheres modernas, mas que precisam conviver com uma sociedade que apesar de tolerar religiões diferentes, ainda é regida por homens e carrega fortes regras sociais e rigidez moral como a obrigatoriedade do casamento e a virgindade.

O nome do filme vêm da mistura que faz o caramelo utilizado na depilação: um pouco de mel, um pouco de limão, um pouco de água. Um pouco de doce, um pouco de azedo. Altos e baixos como a vida; mas tudo se torna mais fácil quando se tem amigas ao lado.

Lumiar

2009-05-06T18:27:00.004-03:00

No dia em que presenciei o encontro, conheci também a página do relámpago elétrico. Este disco, de Beto Guedes, é quase uma continuação do Clube da Esquina, tão emocionante quanto. E hoje não consigo parar de ouvir Lumiar, apenas porque ela é simples, bela e fala de uma das coisas que mais gosto na vida: a de celebrar a amizade. Em Lumiar. Dá pra baixar no site do Beto (www.betoguedes.com.br), clicando no LP Página do Relâmpago Elétrico.

Anda, vem jantar,
vem comer, vem beber, farrear
até chegar Lumiar
e depois deitar no sereno
só pra poder dormir e sonhar
pra passar a noite
caçando sapo, contando caso
de como deve ser Lumiar

Acordar, Lumiar, sem chorar,
sem falar, sem querer
acordar em lumiar
levantar e fazer café
só pra sair caçar e pescar
e passar o dia
moendo cana, caçando lua
clarear de vez Lumiar

Amor, Lumiar,
pra viver, pra gostar,
pra chover, pra tratar de vadiar
descançar os olhas, olhar e ver e respirar
só pra não ver o tempo passar
pra passar o tempo
até chover, até lembrar
de como deve ser Lumiar

Anda, vem cantar,
vem dormir, vem sonhar, pra viver
até chegar em Lumiar

Estender o sol na varanda até queimar
só pra não ter mais nada a perder
pra perder o medo, mudar de céu, mudar de ar
clarear de vez Lumiar

Ciça

2009-05-06T10:16:00.004-03:00

Por aqui muitas coisas, mudanças, viradas, retornos, partidas, nózinhos nas costas, pontadas no braço direito. Tudo na mesma ansiedade, mas dessa vez com um pouco mais de consciência de que é preciso respirar fundo.
Vários textos não escritos, declarações de amor ainda por dizer, desabafos contidos.

Mas hoje é dia de celebrar a conquista de outra, que não sou eu, mas ainda assim não deixa de ser uma extensão minha. Porque se ela realiza os sonhos dela, alegra meu coração também, porque foi assim que aprendi com ela, e com outras, lá nos idos de 199e tantos, quanto ainda usávamos aparelhos nos dentes, nosso sutiãs ainda não eram tão grandes, os cabelos eram encaracolados iguais, mas enormes. Depois vieram os furos no nariz, no mesmo lugar, o gosto pelo Drum'N Bass e o forró, o samba, bate cabelo daqui, bate cabelo dali. Expressões inventadas, trilhas sonoras criadas, o gosto pela verdade e o compromisso com o querer ser. Querer ser, sempre, ser melhor, a cada dia.

É tanto que faz mais de ano que ela saiu, mas parece que não foi, de tanto que ficou.

Por onde quer que você esteja minha amiga, cachinhos iguais aos seus, um pouco maiores talvez, te acompanham, sempre torcendo. As saudades só aumentam as certezas.
Em outubro, flores, abraços e três dias de blablablablablabla.
E o melhor, numa casinha de vila, rosada!

Boa viagem Ci, que cada pessoa que você conheça, se torne melhor com a sua presença, como eu me tornei quando te conheci num dia de outono, você de macacão jeans, carinha de criança, mas atitude de mulher; e aquele sorriso.

Enfim, o encontro

2009-04-17T15:05:00.002-03:00

É hoje. Alento em momentos muito importantes, partilha de tantas sensações, objeto de muito aprendizado. A cada encontro, as sensações despertadas foram, são, estão diversas. Depois de ter descoberto minha alma em musica, transfigurada em Cravo e Canela. Cada vez que tentei desistir, me deram força para continuar: os sonhos nunca envelhecem.
Hoje vou derramar lagrimas ao ouvir cada acorde deste que é um encontro que aconteceu há mais de trinta anos. Mas que na minha vida é presente e eterna. Hoje vou ver Lô Borges e Milton Nascimento. Um caso de amor para a vida inteira.

Arte Moderna

2009-04-08T12:10:00.001-03:00

Sounds of Silence

2009-04-08T11:59:00.002-03:00

Cheguei no trabalho e essa música me veio..um pouco de som do silêncio.
By Simon and Garfunkel

Hello darkness, my old friend,
Ive come to talk with you again,
Because a vision softly creeping,
Left its seeds while I was sleeping,
And the vision that was planted in my brain
Still remains
Within the sound of silence.

In restless dreams I walked alone
Narrow streets of cobblestone,
neath the halo of a street lamp,
I turned my collar to the cold and damp
When my eyes were stabbed by the flash of
A neon light
That split the night
And touched the sound of silence.

And in the naked light I saw
Ten thousand people, maybe more.
People talking without speaking,
People hearing without listening,
People writing songs that voices never share
And no one deared
Disturb the sound of silence.

Fools said i,you do not know
Silence like a cancer grows.
Hear my words that I might teach you,
Take my arms that I might reach you.
But my words like silent raindrops fell,
And echoed
In the wells of silence

And the people bowed and prayed
To the neon God they made.
And the sign flashed out its warning,
In the words that it was forming.
And the signs said, the words of the prophets
Are written on the subway walls
And tenement halls.
And whisperd in the sounds of silence.

happy-go-lucky

2009-03-26T12:58:00.003-03:00

Amanhã entra em cartaz um filme que vale muito a pena assistir. Delicado, divertido, e simples.
Assim é Simplesmente Feliz, filme do diretor inglês Mike Leigh, mesmo de O Segredo de Vera Drake.
Sally Hawkins é Poppy, uma trintona inglesa professora do jardim de infância.
Ela mora há dez anos com sua melhor amiga Zoe, e é uma pessoa feliz.
Na duvida, ela abre um sorriso, faz piadas, sempre enxergando o melhor das situações. Dificil alguém tirar ela do sério, e na maioria das vezes o que tira seu sorriso da cara é a crueldade, a maldade e a agressividade das pessoas com quem convive. Mas ela não simplesmente se afasta. Pelo contrário, quer dividir a felicidade com todos, sem distinção.

Ela mora com sua melhor amiga, sai para beber quase todo dia e não consegue tolerar a maldade. Pode uma pessoa como essa ser protagonista de um longa metragem de quase duas horas?
Leigh quer mostrar que sim. Ela encara tudo com leveza, da mesma maneira com que pratica cama elástica depois do trabalho, um esporte que traduz sua personalidade.

Quando vai com uma amiga nas aulas de flamenco, Poppy fica ao lado da professora de flamenco, a atriz Karina Fernandes. Dramática, melancólica, a espanhola caminha com postura altiva, carregando força e dignidade nos movimentos da dança espanhola. Poppy é o oposto disso, é desajeitada, fala gírias que ela mesmo inventa, suas roupas são extravagantes, e suas botas exageradas só saem de seu pé na hora de dormir.

Ao colocar Poppy convivendo com a professora espanhola, o instrutor de direção maluco, o aluno que bate nas crianças dentro da sala de aula, Leigh quer mostrar que a felicidade não é um caminho fácil e em Simplesmente Feliz é antes de tudo uma questão de fé. A ingenuidade de Poppy é sincera, e o caminho que ela escolheu para levar a vida é uma decisão feita diaria e conscientemente.

Mesmo que se chegue a um ápice dramático, por vezes o espectador pode se perguntar porque tanto tempo filmando essa moça, seus diálogos, suas aulas de direção, as conversas no bar. Tudo e nada acontecem de fato no filme. São cenas cotidianas, onde Leigh apresenta e faz com que o espectador sinta-se participando da vida de sua protagonista até que, ao final, fica a pergunta. Por que não levar a vida com mais leveza?

na escola

2009-03-16T11:24:00.002-03:00

Entre os Muros da Escola é um dos melhores filmes que vi ultimamente. Um filme humanista, instigante e extremamente pertinente. Segue texto que escrevi para o Bom de Humor.

O ato de ir ao cinema pode exercer vários efeitos no espectador. Pode-se fugir da realidade, adentrando mundos mágicos, fantásticos, animados. Outra função pode ser a de fazer refletir. Assistir a situações fictícias que nos colocam em dilemas que talvez nunca fossem vivenciados. Outra possibilidade é a de familiarizar-se com realidades distantes. Culturas, países, modos de agir, pensar e de se relacionar, problemas locais que nos geram identificações ou estranhamentos. Normalmente, os documentários costumam exercer essa ultima função. É por isso que Entre os Muros da Escola, o vencedor do festival de Cannes do ano passado, e que estréia essa semana nas principais cidades brasileiras, é uma ficção bastante documental.

Primeiro porque é baseado em um livro autobiográfico que leva o mesmo nome do filme e foi escrito pelo professor francês François Bégaudeau. No filme, François interpreta o professor François Marin, uma versão ficcional de si mesmo. Foi ele também quem ajudou o diretor Laurent Cantet e o co-roteirista, Robin Campillo a adaptar o livro para a grande tela.

A única cena que se passa fora da escola é o inicio do filme, que mostra François caminhando em direção ao primeiro dia de aula do ano. O cenário é a Escola Françoise Dolto Junior, no 20º arrondissement (bairro da periferia de Paris). Todos os adolescentes que compõe a sala de aula do professor de francês vieram junto com o cenário. São alunos da própria escola, que foram escolhidos em oficinas de interpretação durante o ano letivo. Os professores, a parte administrativa e até mesmo os pais das crianças são também pessoas reais interpretando pedaços fictícios de si mesmo.

Os adolescentes são chineses, malineses, marroquinos, antilhanos. O retrato da França contemporânea, que colhe os frutos do colonialismo passado. Alguns desejam ser franceses, outros não se identificam com essa tal nação. Não desejam aquela identidade. “Porque você sempre coloca nomes franceses nos exemplos da sala?”, questionam ao professor, afinal, eles são Wei, Nassim, Souleymane, Khoumba, Esmeralda.

Sem um roteiro na mão, os atores-alunos foram instigados a viver situações reais, algumas pré-roteirizadas, outras improvisadas. Com três câmeras de alta definição postadas dentro da sala de aula, Cantet consegue envolver o espectador nos diálogos e discussões típicas de uma classe do ensino médio. Uma autoridade versus 25 adolescentes de 13, 14 e 15 anos. Cantent nos mostra um microcosmos que reflete o mundo externo, onde questões complexas e incômodas são resolvidas por vezes com humor, outras de maneira tensa e aflitiva.

François é um professor em busca da autoridade, mas sempre tentando relativizar seus julgamentos. Às vezes parece não saber que caminho tomar, pois sua vontade é mesmo de ser visto por seus alunos como um deles. Ele critica, provoca, corrige, instiga. Não tem medo. E os alunos reagem, às vezes com respeito, às vezes desafiando-o. Sempre vivos, ainda que aparentemente egoístas. François sabe que seus alunos ainda não perderam o dom de surpreender. Ele tenta se impor, e claro, cria seus conceitos sobre cada aluno. Mas quando uma das alunas, a insolente Esmeralda diz que ela lê A Republica, de Platão, ele a faz discorrer sobre o livro.

A linguagem tem papel importante e desencadeia o clímax do filme. Em um momento de raiva, o professor diz que duas de suas alunas se comportaram como duas “pétasse”, vagabundas. Uma verdadeira rebelião começa na sala de aula, que culmina com a saída agressiva e espontânea do malinês Souleymane, o aluno-problema.

Souleymane protagoniza uma das cenas mais dramáticas do filme. É julgado pelo Conselho Disciplinar, que tem que decidir se ele vai ou não ser expulso da escola. Mesmo sabendo que isso pode acarretar sua volta ao país de origem, devido a ira de seu pai.

Entre os Muros da Escola é com certeza um filme essencial para os que exercem o ofício de ensinar. Questões como autoridade, punição e liberdade são colocadas em xeque o tempo inteiro. Mas é também um filme sobre uma nova França, um novo “primeiro mundo” que emerge, onde as identidades nacionais já não existem como certezas. Novas formas de convivência, dialogo e união estão (re)aparecendo. Mais que isso, o valor do filme é o de trazer a tona tantas discussões, sem recorrer ao professor bonzinho, o Mestre, o aluno vagabundo (e só vagabundo). Sem escolher lados, o filme dá ouvidos a juventude e sem dizer qual caminho tomar, deixa ao espectador a tarefa de digerir a experiência vivenciada.

Bosnian music

2009-03-05T13:45:00.002-03:00

Um pouco de bom humor em dias cinzas. Quero ir pra sérvia!

Assim é se não lhes parece

2009-03-04T12:25:00.002-03:00

Na Revista Piauí de fevereiro, o cineasta e um dos donos da revista João Moreira Salles escreveu um importante texto sobre Hollywood, pegando o gancho do filme Milk, de Gus Van Sant. O título da matéria é Assim É Se Não Lhes Parece.
Para quem se interessa em saber como funciona a indústria do cinema, vale a pena. E o melhor, é que já virou o mês, então já está disponível no site, neste link.
De modo geral, João explica os mecanismos conservadores que fazem com que Gus Van Sant, um diretor experimental, ao fazer uma cinebiografia de um político gay para Hollywood, tenha escolhido um ator assumidamente machão, Sean Penn, aquele que batia na Madonna.
Em como os heteros brancos precisam manter seu lugar, seja em relação aos negros, seja em relação aos gays. E que nem sempre filmes com uma maquiagenzinha liberais, representam um avanço.
Só uma palhinha aqui:

"Diz-se que a chegada de Barack Obama à Presidência representa um capítulo importante na superação das tensões raciais na América. É verdade, mas pode-se especular se ele teria sido eleito caso Michelle Obama fosse filha de suecos. Enquanto a resposta não for um inequívoco sim, Hollywood continuará a pagar 20 milhões de dólares a Will Smith, contanto que ele não queira levar Scarlett Johansson para a cama."

Piscininha

2009-03-02T19:31:00.002-03:00

Para quem achava que a piscina da Rosada era legal...ficou mirim depois dessa!

entrei na nova era!

2009-03-01T18:45:00.004-03:00

Estou me sentindo ultra-moderna porque agora sei utilizar o twitter E o google reader! pasmem!
Tudo por causa da boa vontade da Ana Estela, editora de treinamento da folha. Ela fez dois tutoriais, um para o twitter e outro para o google reader.

Só resta saber o que fazer com isso.
Vem você também!

entrei na nova era!

2009-03-01T18:45:00.000-03:00

I'm here to recruit you

2009-02-17T18:30:00.009-03:00

Mural feito por John Baden com a frase dita por Harvey Milk antes de morrer: "If ever a bullet should enter my brain, let the bullet destroy every closet door". O mural está onde um dia foi a Castro Camera, loja de Milk na Rua Castro,575 em San Francisco

Já ouviu falar em Harvey Milk? Eu também não tinha, até que assisti ao novo filme de Gus Van Sant, Milk- A Voz da Igualdade, que estreia essa sexta-feira (20) . Milk foi o primeiro político assumidamente gay a assumir um cargo político nos EUA, no caso o de supervisor da cidade de São Francisco, representando o condado de Castro.

O filme é uma cinebiografia do ativista, que é interpretado brilhantemente por Sean Penn (que concorre ao Oscar). É um documento histórico, que mistura cenas documentais, com reproduções e uma pitada de drama.

Sean Penn e Milk

Como Elefante, do mesmo diretor, Milk é a história sobre uma morte anunciada. O supervisor Harvey Milk e o prefeito de São Francisco George Moscone foram assassinados pelo também supervisor Dan White dentro da prefeitura da cidade. O roteiro, nomeado para o Oscar, é de Dustin Lance Black, um jovem roteirista e diretor do Texas também homossexual e que se inspirou no documentário The Times of Harvey Milk, de Rob Epstein, vencedor do Oscar de melhor documentário em 1984.

Para quem, como eu, ficar tocado e totalmente surpreendido pela história de Milk, uma pessoa muito bacana colocou no You Tube o documentário inteiro, The Times of Harvey Milk, dividido em dez partes. Nele é possível saber com muito mais detalhes a vida de Milk, e inclusive ver o quanto roteirista e diretor se inspiraram no filme, utilizando ou reproduzindo cenas nele presentes. No doc também dá para ter mais certeza de como Sean Penn ficou parecido com Milk, tanto fisicamente quanto nos trejeitos.

O filme de Gus Van Sant começa com Harvey gravando seu depoimento para ser ouvido "only in the event of my death by assassination". Constantemente ameaçado, Milk sabia que isso acabaria acontecendo.

Apesar de triste, saí otimista do filme, principalmente porque Milk pregava sempre em seus discursos a esperança. Em um deles ele diz:

"The only thing they have to look forward to is hope. And you have to give them hope. Hope for a better world, hope for a better tomorrow, hope for a better place to come to if the pressures at home are too great. Hope that all will be all right. Without hope, not only gays, but the blacks, the seniors, the handicapped, the us'es, the us'es will give up."

Mas, quando cheguei no trabalho, abri um email da minha tia, que mora em Oackland, ao lado de San Francisco, sobre a Preposição 8. A Prep 8, se for aprovada, vai forçar o divórcio de 18 mil homossexuais que se casaram na California ano passado, entre eles, o das minhas amadas tias Monica e Yvania. O Supremo vai ouvir argumentos orais no dia 5 de Março e espera-se uma decisão nos próximos 90 dias.
Pelo jeito não avançamos muito, não é mesmo?
Veja aqui a campanha anti-prep 8, dando rosto aos casais

"Fidelity": Don't Divorce... from Courage Campaign on Vimeo.

O video mostra a cara de centenas de pessoas que se casaram. Meu deus, será que esse maldito Ken Starr e todos os conservadores não se tocam que o que importa é o AMOR!?
Don't divorce them!!!!!

Unknown Legend

2009-02-16T15:39:00.007-03:00

O músico britânico Robyn Hitchcock em cena de O Casamento de Rachel

Unknown Legend, by Neil Young

She used to work in a diner
Never saw a woman look finer
I used to order just to watch her float across the floor
She grew up in a small town
Never put her roots down
Daddy always kept movin, so she did too.

Somewhere on a desert highway
She rides a harley-davidson
Her long blonde hair flyin in the wind
Shes been runnin half her life
The chrome and steel she rides
Collidin with the very air she breathes
The air she breathes.
(...)

Tô amando essa música, ainda mais porque ela aparece na trilha sonora de O Casamento de Rachel, um, como disse minha amiga Tulipa Ruiz, world movie, de tanta world music que aparece por lá. E como eu adoro esse negócio chamado world music não consigo parar de escutar a trilha.

O diretor Jonathan Deeme (de O Silêncio dos Inocentes) deu uma especial atenção para a trilha sonora. A musica era tão presente, quem em uma das cenas presentes no filme, Rachel (Rosemarie DeWitt) discute com Kym (Anne Hathaway), sua irmã ex-viciada em drogas e protagonista do filme, enquanto, lá fora, os amigos tocam musica. Numa mistura de vida real com ficção, Anne Hathaway se irrita e pede então para os músicos pararem. E nao é que funciona? Gosto desse clima de improviso e simplicidade num filme que na verdade é bem complexo e te deixa tenso o tempo inteiro, com algumas pitadas de sarcasmo vez em quando.

Os músicos são de fato personagens, a começar pelo marido de Rachel, Sidney, que é interpretado por Tunde Adembipe, vocalista da banda nova iorquina TV On The Radio e que na cerimônia canta a capella para a noiva Unknown Legend, de Neil Young. É de chorar! Como se fosse uma prima sua casando com um cara mega legal e romântico. Também quero! (fora que o casamento era todo em temas indianos, a decoração linda e as roupas das madrinhas e da noiva também)

A world music marca presença: tem reggae, tem samba (tocado pelo brasileiro-que-mora-nos Eua-há-anos Cyro Baptista), tem jazz e até o filho do diretor, Brooklin Deeme, toca guitarra em duas canções. Tem o músico britânico Robyn Hitchcock (o da foto), que eu não conhecia e no filme aparece cantando America e Up To Our Nex, essa última feita especialmente para o filme.

Ouça no site oficial do filme a trilha sonora completa. (Em Media, clique em Soundtrack)

A Grande Indústria

2009-02-13T15:59:00.002-02:00

Tô louca pra ler O Grande Filme - Dinheiro e Poder em Hollywood, de Edward Jay Epstein, que saiu ano passado pela Editora Summus.
Uma das frases que me deixou mais curiosa é a seguinte, dita por um executivo do cinema e que eu li no blog do Pedro Alexandre Sanches:

"o 'segredo' para uma cadeia de multiplexes bem-sucedida está naquela porção de sal acrescentada à pipoca."

A pergunta que fica é, e a pilha de livros da estante que ainda não comecei a ler? rssss

Resistir e lutar, sempre

2009-02-13T14:53:00.001-02:00

Do brasileiro Luiz Vasconcelos, vencedor da categoria Notícias Gerais no World Press Photo 2009

Rua da Revolução

2009-02-13T13:08:00.004-02:00

Só pra não deixar passar, porque as coisas de fato passam.
Há umas duas semanas assisti Revolutionary Road, o retorno de Jack e Rose, ou melhor, de Di Caprio e Kate Winslet trabalhando juntos, coisa que não faziam desde 1997 em Titanic.
O filme é dirigindo pelo marido de Kate, Sam Mendes, o mesmo de Beleza Americana.

Acho que podemos dizer que Foi Apenas um Sonho (tradução do título em português) aprofunda o que Sam Mendes já trazia em Beleza Americana, sobre a sociedade americana - pra mim, a sociedade em geral. Sobre as padronizações e o sufuco de ter que corresponder a expectativas que não são nossas.

Foi Apenas um Sonho é sobre como conciliar a vida em família com desejos e ideais que carregamos. Inspirado em livro de mesmo nome, escrito por Richard Yates em 1961, o filme conta a história do casal April e Frank Wheeler nos EUA da década de 1950.

Eles se conhecem jovens e cheios de ideais. Ela estuda para ser atriz, e ele quer viver a vida com verdade. Corta. A próxima cena que vemos é April se apresentando em uma peça de teatro amadora do bairro onde moram, no subúrbio de Connecticut. Sua atuação é sofrível e ela sabe disso. Enquanto isso, Frank trabalha entediado na mesma empresa em que seu pai trabalhou a vida inteira e da qual ele nunca se orgulhou.

A vida suburbana se apresenta, dois filhos, uma casa grande, com jardim, vizinhos, drinks no final da tarde. Um casal charmoso, do qual todos gostam. Mas April não se conforma com uma vida medíocre e quando percebe que seu sonho de se tornar uma atriz vai ficando cada vez mais longe, busca desesperada uma alternativa. Em busca de algo que motive seu marido, lembra a ele de seu velho sonho de viver em Paris, cidade que havia estado com o exército americano e que jurara retornar um dia. Propõe então que eles vendam tudo, raspem as economias e se mudem todos para a capital francesa.

E assim vivem dias de euforia, sentindo-se especiais e esperançados pela vida que os aguarda. Nesse momento, nos lembramos que estamos na década de 1950. Eis que April fica grávida. Os métodos contraceptivos ainda não eram presentes na vida dos casais. E as mulheres não tinham ainda autonomia sobre seu corpo e destino. Ao mesmo tempo, Frank recebe a proposta de ser promovido na empresa, de ter a chance de fazer uma carreira que seu pai nunca fez.

De um lado, a cultura e as convenções que mudam conforme o tempo. Do outro, o drama universal do jovem que quer romper os padrões. Do limite entre se deixar sonhar ao mesmo tempo em que as responsabilidades e a convenção social pesam a cada dia vivido. Covardia ou sensatez?

O filme mexeu muito comigo, principalmente pela questão universal que traz. Como encontrar o equilíbrio na vida a dois, na busca pelas prioridades da vida? Não é fácil, assim como não é fácil viver.

Lendo as resenhas, vi várias delas dizendo o quanto Frank é machista por desistir de ir a França por conta de um trabalho. Discordo. Discordo também que eles não se amassem. Acho que eles se amavam sim, mas nem sempre isso basta. Enfim, filme bom é aquele que te faz pensar por dias a fio. Esse fez.

Dica: Contardo Calligaris escreveu ótimos questionamentos sobre o filme, sob a perspectiva do homem. Leia aqui.

Um gosto de sol

2009-02-11T16:30:00.004-02:00

Arte de Tulipa Ruiz

Amigos.
Os dias têm passado, e o ritmo cada vez mais frenético me lota de lascas de pensamentos que não tenho tempo de desenvolver.
Fico a aguardar aquele momento em que vou poder refletir e então pensar sobre os últimos filmes que vi, coisas que pensei e senti.
Mas tem horas que a vida transborda, e tudo que nos resta é tentar qualquer espécie de comunicação, principalmente para aqueles a quem dedicamos amor, pensamentos e energias. Com quem compartilhamos sonhos e ternuras, torcidas, desejos. A frustração da não convivência acredito ser eterna. Mas talvez esta sensação venha com a possibilidade de valorizar ainda mais os momentos compartilhados. Ainda assim, sempre serei aquela que quer mais. Para mim nunca é demais.

Tudo é possível, tudo é intercambiável. A paciência e a solidão são totalmente necessárias, mas cada vez mais percebo que meu corpo ultrapassa os limites. Enquanto puder, estarei tentando, sempre, absorver o máximo de vocês, de nós, aprofundando as relações e descobrindo-nos a cada dia.

Tenho pedido força todos os dias para manter a coragem e a força. E hoje ouvi novamente ele, o Milton, e seu gosto de sol. O que desejo a mim, a vocês e a todos nós é que a gente nunca esqueça nossos sonhos sobre a mesa. E se esquecermos, que possamos lembrar de recupera-los, porque nunca é tarde para (re)começar. E, claro, os começos, recomeços, e toda a imensidão que nos apresenta todo dia, tudo isso é mais fácil se tivermos com quem compartilhar.
Falo por mim. Sem vocês não tem graça.

Um gosto de sol

(Milton Nascimento e Ronaldo Bastos)

Alguém que vi de passagem
Numa cidade estrangeira
Lembrou os sonhos que eu tinha
E esqueci sobre a mesa
Como uma pêra se esquece
Dormindo numa fruteira
Como adormece o rio
Sonhando na carne da pêra
O sol na sombra se esquece
Dormindo numa cadeira

Alguém sorriu de passagem
Numa cidade estrangeira
Lembrou o riso que eu tinha
E esqueci entre os dentes
Como uma pêra se esquece
Sonhando numa fruteira

Lavoro

2009-02-02T12:36:00.001-02:00

Trabalho de luto
Relatório da OIT sobre a América Latina e anúncios de demissões nos EUA, na Europa e no Japão apontam para o derretimento dos níveis de emprego em escala global

RICARDO ANTUNES
ESPECIAL PARA A FOLHA

Começam a ficar mais claros os contornos e as primeiras consequências da crise que vem liquefazendo o sistema do capital em escala global. O Fórum de Davos (Suíça) "começa com executivos em pânico" (Dinheiro, 28/1).
Lá, onde estão reunidos representantes das "classes verdadeiramente perigosas", os executivos globais contabilizam o que já é incontável e mergulham numa crise de proporções alarmantes.
Enquanto isso, no outro canto do mundo, em Belém, o Fórum Social Mundial ganha uma impulsão extra.
Isso porque ele vem, desde 2001, denunciando a lógica destrutiva dominante. Se ainda não foi capaz de oferecer um projeto societal alternativo e global para o mundo, contrário aos imperativos do capital, muitos de seus partícipes sabem que o capitalismo é o responsável pela (des)sociabilidade vigente e suas mazelas. Esse sistema poderá até ser ainda mais longevo, mas será sempre empurrado no tranco.
Ora definhando o Estado ao mínimo (no que tange à sua dimensão pública), ora tendo surtos intervencionistas, como este que se abateu no governo de George W. Bush e de seus epígonos.
Mas a crise vive um ciclo prolongado, datado do início dos anos 1970.
Começou destroçando os países do Terceiro Mundo. Um a um, Brasil, Argentina, México, Uruguai, Colômbia, para ficarmos somente em alguns exemplos da América Latina, foram mergulhados no estancamento e na recessão, o que fez desmoronar o pouco que esses países construíram no capítulo dos direitos sociais do trabalho.
Mas isso foi só o começo: depois foi a vez, no fim dos anos 1980, de levar à bancarrota o chamado "socialismo real" (União Soviética e o restante do Leste Europeu). Menos do que expressão do "fim do socialismo", esse fato antecipava uma nova etapa da crise do próprio capital.

No olho do furacão
No presente, depois do seu epicentro ter passado pelos principais países capitalistas (Japão, Alemanha, Inglaterra e França), chegou ao coração do sistema: os EUA estão agora no olho do furacão.
E, com isso, uma vez mais se acentua o caráter pendular do trabalho.
Nos países que vivenciaram traços do Estado de Bem-Estar Social, especialmente na Europa social-democrá tica, o dilema se colocou (ainda que sem tocar na raiz do problema) entre trabalhar menos e viver as benesses do ócio, curtindo o "tempo livre" (vale a indagação: será mesmo tempo livre, sem aspas?).
Trabalhar menos, para todos viverem uma vida melhor, tornou-se consigna forte.
Mas na América Latina (e o mesmo vale para a Ásia e a África) a dilemática tem uma profundidade ainda maior.
Neste verdadeiro continente do labor, o pêndulo é ainda mais ingrato em seus dois polos opostos: ele oscila entre trabalhar ou não trabalhar; entre encontrar labor ou soçobrar no desemprego.
Mais precisamente, entre sobreviver ou experimentar a barbárie, pois o Estado de Bem-Estar Social sempre andou muito longe daqui.

Migalhas
No meio do caminho, uma massa monumental de assalariados vivenciando uma precarização estrutural do trabalho em escala continental. Crianças, negros, índios, homens e mulheres trabalhando no fio da navalha.
Conforme recordou Mike Davis, em seu "Planeta Favela" [ed. Boitempo], "não é raro encontrar [na América Central] empregadas domésticas de sete ou oito anos com jornadas semanais de 90 horas e um dia de folga por mês" ("Child Domestics", Domésticas Infantis, relatório da Human Rights Watch de 10/6/2004).
Com a crise, o quadro se agrava: no recentíssimo "Panorama Laboral para América Latina e Caribe - 2008" (Organização Internacional do Trabalho, 27/1), o cenário social apresentado é de tal gravidade que beira a devastação.
Se o desemprego diminuiu nos últimos cinco anos, o relatório da OIT antecipa que, "devido à crise, até 2,4 milhões de pessoas poderão entrar nas filas do desemprego regional em 2009", somando-se aos quase 16 milhões já desempregados (sem falar no "desemprego oculto", nem sempre captado pelas estatísticas oficiais).
Ou seja, o que se conquistou em migalhas, a crise derreteu no último trimestre de 2008.
Se, no centro do sistema, têm-se as maiores taxas de desemprego das últimas décadas, no continente latino-americano esse quadro se agudiza.
Na maioria dos países houve retração salarial; as mulheres trabalhadoras têm sido mais afetadas, com taxa de desemprego 1,6 vez maior que os homens, e o desemprego juvenil, em 2008, em nove países, foi 2,2 vezes maior do que a taxa de desemprego total. A informalidade, que era exceção no passado, torna-se a regra.

Flexibilidade
No Brasil, a "marolinha" já desempregou milhares de trabalhadores na indústria, nos serviços e na agroindústria (atingindo até o etanol do trabalho semiescravo) .
O país, que o governo Lula afirmou ter uma economia estável e refratária à crise, está vendo a cada dia a corrosão dos níveis de emprego. O empresariado pressiona mais uma vez para aumentar a "flexibilidade" da legislação trabalhista, com a falácia de que assim se preservam empregos.
Nos EUA, na Inglaterra, na Espanha e na Argentina, entre tantos outros exemplos, flexibilizou- se muito. Fica a indagação: por que então o desemprego vem se ampliando tanto nesses países?
Para concluir, vale adicionar mais uma contradição vital em que o mundo mergulhou, quando o olhar vai além do cenário televisivo oferecido pelo contagiante "big brother" global: quando se reduzem as taxas de emprego, aumentam os níveis de degradação e barbárie em amplitude global.
Se, em contrapartida, o mundo produtivo retomar os níveis altos de crescimento, esquentando a produção e seu modo de vida fundado na superfluidade e no desperdício, aquecerá ainda mais o universo, o que é mais um passo certo para uma outra tragédia já bastante anunciada.

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RICARDO ANTUNES é professor titular de sociologia na Universidade Estadual de Campinas e autor de "Adeus ao Trabalho?" (Cortez).

Espelho

2009-01-29T17:44:00.003-02:00

desenho de Tulipa Ruiz

“Não pense que a pessoa tem tanta força assim a ponto de levar qualquer espécie de vida e continuar a mesma. Até cortar os próprios defeitos pode ser perigoso - nunca se sabe qual é o defeito que sustenta nosso edifício inteiro. Nem sei como lhe explicar minha alma. Mas o que eu queria dizer é que a gente é muito preciosa, e que é somente até um certo ponto que a gente pode desistir de si própria e se dar aos outros e às circunstâncias. Depois que uma pessoa perder o respeito a si mesma e o respeito às suas próprias necessidades - depois disso fica-se um pouco um trapo. Mas não pude deixar de querer lhe mostrar o que pode acontecer com uma pessoa que faz pacto com todos, e que se esqueceu de que o nó górdio vital de uma pessoa deve ser respeitado. Ouça: respeite mesmo o que é ruim em você - respeite sobretudo o que você imagina que é ruim em você - pelo amor de Deus, não queria fazer de você uma pessoa perfeita - não copie uma pessoa ideal, copie você mesma - é esse o único meio de viver.”

Clarice Lispector
(em carta escrita em Berna, 1947

A casa delas

2009-01-23T17:55:00.003-02:00

Já faz tempo que quero escrever sobre elas. Desde aquele dia em que abriram sua casa para mim, em um dos gestos mais gentis e carinhosos que já recebi. Abriram, me convidaram para entrar, me sentiram parte, me acolheram como poucos, mesmo aqueles, não conseguem fazer.

Ontem, aconteceu de novo.
A casa foi aberta novamente, e dessa vez ela é amarela, tem um cachorro, uma mesa gigantesca e muito, mas muito amor no ar.

Nem preciso dizer como foi bom. Impressionantemente bom, do começo, desde a carona, do supermercado, se perder, achar o caminho, buscar a loirinha. A loirinha, Beatriz, cada dia mais linda. Do rosto de porcelana, tudo continua igual, mas as bochecas estão mais rosadas, e o olhar exala muito mais quentura e segurança.

Na dona da casa, apesar da dor de garganta que as vezes vem para aflingir, o ar era de mulher realizada. Nunca vi uma pequena crescer tanto em tão pouco tempo. Fiquei tão orgulhosa!

As risadas vinham de maneira espontânea, e as conversas eram tantas e tão envolventes que passaram-se quase cinco horas e poderíamos ter ficado mais. Nada precisa ser mudado, porque é tudo perfeito quando temos a sintonia do amor e do respeito.

E o que seria de nós se não fosse a nossa atriz preferida contando histórias de amor, e narrando a vida como ela deve ser: leve, cômica, mas uma pitada trágica. Ela que sabe contar historias como ninguém, nem preciso dizer, está radiante. E a mesma de sempre, mas algo mudou.

E aquela que desenha historias quando escreve, e nos deixa sempre admiradas com seu jeito de menina desajeitada e mulher segura. Cada dia mais brilhante, cada dia mais arrebatadora.

Elas todas, juntas, para mais uma memória de momentos bons, de segundos de vida bem-vividos, o afago no peito de que é só o começo. Vai ser sempre só o começo. Não existe fim para quem deixa a porta aberta.

Obrigada!

Teatro Apolo

2009-01-21T13:35:00.002-02:00

"This is the meaning of our liberty and our creed -- why men and women and children of every race and every faith can join in celebration across this magnificent Mall, and why a man whose father less than 60 years ago might not have been served at a local restaurant can now stand before you to take a most sacred oath."

aniversário

2009-01-20T14:59:00.003-02:00

Hoje, a gente faz três anos!

memórias tricolores

2008-12-08T03:40:00.007-02:00

São lembranças longínquas.
Eu, minha vó, meu pai, meus tios e meus primos no estádio. Geralmente quando ela e eu íamos, o jogo era assim, desimportante, mas não menos emocionante. Me lembro que até personagem de matéria da Globo a gente virou, tres gerações tricolores.
Ao longo dos anos foi assim. Era sempre um evento familiar que podia ser no estádio, no CT do São Paulo, que meu pai era o único que tinha paciência e prazer de nos levar. Foi lá que ganhei um beijo e uma foto com o Raí, o maior de todos os ídolos; Se não tinha nem um nem outro, a gente sempre se reunia na casa da tia bele e do tio João no Morumbi, depois em Tamboré, ou na casa do Tio Colau.

Nascida em berço tricolor, de ambos os lados, por alguns anos minha relação com o time foi a de adolescente: me apaixonei por váaaarios jogadores! Além, é claro, do Rai, Denilson já foi meu fundo de tela no computador, toda vez que ele entrava em campo eu vibrava. Antes dele teve também o Leo (chorei copiosamente quando ele foi expulso naquele jogo da Copa do Mundo). O Caio, Dodô e tantos outros.

Hoje, ver o tricolor jogar virou também sinonimo de chope com o irmão, os primos, os amigos. Aí eu gosto. Confesso que não me tornei fanática.Tenho fases, mas geralmente sei pelo menos o nome do técnico e de alguns principais jogadores.

Mas memórias são memórias e hoje, quando meu time foi hexacampeão e eu comemorei numa festa bem singular, a dos sãopaulinos no RJ, lembrei de todos eles e tive saudades.

Porque futebol é assim. Você pode nem gostar, nem ver sempre. Mas não tem como não se emocionar no estádio, ou até mesmo em um bar onde todo mundo torce para o mesmo time. É bonito demais. Os hinos, a paixão dividida, o abraço apertado no desconhecido ao lado.

Uma das partes que eu mais gosto é quando a torcida puxa " olê telê, olê telê". Toda vez eu choro. E não sei porque, mas o Muricy me traz a mesma sensação de quando lembro do Telê, que marcou minha infância. Por isso abri um sorrisão hoje quando recebi uma mensagem do meu primo querido, logo após o final do jogo "Muricy, Telê. Tô Chorando!!"
Também chorei Rê! Daquelas lágrimas que caem sozinhas. Daquelas que tem gosto doce e parecem estar lavando a alma enquanto caem.

Here, there, everywhere

2008-11-30T04:27:00.007-02:00

As vezes a gente se pega tentando planejar a vida. Falta alguma coisa, mas a coisa sempre vai faltar. Poderia fazer isso, mas aquilo também se encaixaria entre as várias possibilidades.
De repente cai no seu colo.
E você meio que decide ir. Tá bom, sei lá, eu vou.
Mal não vai fazer.

Desde então, as coisas parecem estar em outra dimensão.
"Como você tá?!"
Ah, eu tô.
Eu tô.
Eu tô por aqui.
"Mas, o que você tem feito?"
Ah, eu tenho feito.

Para mim essa experiência tem sido assim. Sendo. Tudo muito surreal. Como se fosse, mas não fosse.
De repente você se vê "invadindo" a turma alheia. Num aniversário de um amigo que não é seu, com uma turma que não é sua, numa cidade que não é sua.
Mas você se sente bem. Não gostaria de estar em qualquer outro lugar que não aquele.
Se pega admirando a amizade alheia. Como se dão os laços afetivos, as demonstrações de amor.
Um vai batizar sua filha amanhã. A outra fabrica penduricalhos de cabelo com as sedas que a vó deixou de herança e gosta de pintar as unhas de verde, azul, preto. A outra morou um ano em new york, mas voltou pra ficar com o namorado de quatro anos que ela conheceu num show do Jorge Ben.
E ai você se lembra como e o quanto as pessoas podem ser admiráveis. Como é apaixonante observar os caminhos que a vida toma, muitas vezes involuntariamente, mas com aquele pinguinho de empurrão que você dá, mesmo sem saber que tinha dado.
Tô feliz pra caralho. Satisfeita.
Estou aonde deveria estar, seja lá o que isso significa.

entrelinhas

2008-11-05T20:09:00.005-02:00

Juro que buscava não pensar no momento em que vivia, e mergulhar na história de amor de André Gorz e sua Dorine. No conto de fadas da vida real, que como já disse (e provou em seus filmes!) E.Coutinho, pode ser mil vezes mais interessante que a ficção, duas pessoas são sim capazes de serem casadas por 60 anos e ainda assim se amarem e se desejarem tanto, que "nós desejaríamos não sobreviver um à morte do outro. Dissemo-nos sempre, por impossível que seja, que, se tívessemos uma segunda vida, iríamos querer passá-la juntos."

E enquanto me envolvia na história de um amor, lendo "Carta a D.", que Gorz escreveu a ela já no fim da vida, me deparei com uma digressão do intelectual francês sobre si próprio que encaixou-se mais que perfeitamente em mim.

" a vontade de não ser Nada se confunde com a de ser Tudo. É preciso aceitar ser finito: estar aqui e em nenhum outro lugar, agora e não sempre ou nunca [...]; ter apenas esta vida."

Tão simples de ler, mas dificil de viver! Ainda mais para quem, como eu, nasceu apostando corrida com a vida, sempre preocupada em absorver tudo e um pouco mais...tirar o pé do acelerador é mais que necessário, e parece que só mesmo um dia após o outro.

OBS: Carta a D. foi escrito por Gorz um ano antes de ambos cometerem suícidio. Romeu e Julieta? Vida real.

O livro, traduzido para o português, é da Cosac: http://www.cosacnaify.com.br/noticias/extra/gorz/

Fórum de Produção de Cinema

2008-10-14T16:12:00.002-03:00

Mostra SP

2008-10-12T21:01:00.003-03:00

Sábado teve coletiva da 32ª edição da Mostra Internacional de Cinema de SP.
Depois eu posto os destaques deste que é um dos maiores eventos de cinema do país. Queria falar do filme que vi após a coletiva de imprensa, "Horas de Verão" (L’ HEURE D’ÉTÉ), do diretor francês Olivier Assayas.
Nunca tinha visto nada dele, e fui sem saber que filme assistiria.
Como aquelas boas surpresas da vida, o filme me marcou e vira e mexe me pego pensando nele. Assayas conseguiu tratar de temas tão complexos como arte, a morte, as relações familiares, memória, esquecimento, passado, presente, futuro, de uma maneira tão delicada e tocante, que saí de lá super reflexiva, emocionada mesmo.
O site oficial é este e o trailer você pode ver aqui:

Quem tiver a oportunidade de ver na Mostra... não perca!

Bush comediante

2008-10-01T14:50:00.004-03:00

Dá só uma olhadinha no festival de piadas que George W Bush profeciou nos útlimos oito anos. Eu sei que é batido, mas também inevitável pensar como um ser dessa espécie foi o homem mais poderoso do mundo por tanto tempo. Reparem no jogo de expressões e o modo como ele mexe as sombrancelhas ao falar.

Elite Squad, só mais um filme de ação

2008-09-29T21:32:00.007-03:00

Fuçando nos blogs alheios, me deparei, no site do jornalista Ricardo Calil, com uma pérola: o trailer americano do famigerado "Tropa de Elite", ou melhor, "Elite Squad".
A amostra gringa foi totalmente modificada, retirando o foco do capitão Nascimento para os dois amigos André Matias e Neto, que são apresentados como pessoas que, ao perderem familiares na guerra do tráfico, resolvem entrar na polícia e fazer justiça.
Esse trailer só vem a confirmar um momento de epifania que tive nos seminários da FIICAV - 3ª Feira Internacional da Indústria do Cinema e Audiovisual , quando, na mesa de "Dados do Mercado Cinematográfico", Cadu Rodrigues, "O" cara da Globo Filmes, apresentou uma pesquisa até então inédita sobre o público consumidor de teatro e cinema. Encomendada pela Globo Filmes e executada pelo Instituto Datafolha, a pesquisa, entre outras coisas, mostrou que o público consumidor de cinema tem na ação seu gênero preferido. Isso explica o sucesso de "Tropa" entre variadas faixas etárias e classes sociais. É óbvio! José Padilha fez um filme de ação, com todos os clichês que o gênero pede, só que ambientado no Rio de Janeiro. Isso pode ser comprovado com o trailer,ainda que este não corresponda totalmente ao filme já que foi forjado para agradar aos americanos.

A preferência do público foi depois reforçada pelo Jorge Peregrino, vice-presidente da Paramount e presidente do SEDCM-RJ (Sindicato das Empresas Distribuidoras Cinematográficas do Rio de Janeiro-Ufa!), entidade que também encomendou uma pesquisa ao Datafolha, mas focada apenas no mercado de cinema e muito mais abrangente, já que feita em dez capitais brasileiras (a da Globo Filmes ficou restrita a São Paulo e Rio de Janeiro, ops!)
Tá certo que filmes de ação não são lá o forte do cinema nacional, mas na pesquisa do Sedcm-Rj, que pode ser acessada aqui, 43% dos homens e 22% das mulheres entrevistadas elegem a ação como gênero preferido, tanto para filmes nacionais como estrangeiros.

Cultura Política x Política Cultural

2008-09-22T21:07:00.002-03:00

Texto para o site Cultura e Mercado (http://www.culturaemercado.com.br/)

Por Georgia Nicolau
geonicolau@yahoo.com

Fazia frio em São Paulo na quinta-feira, dia 18 de setembro. Ainda assim, na Al. Nothman, centro da Cidade, o andar de cima do Instituto Pensarte ficou quase sem cadeiras. Algumas 30 pessoas ou mais estavam lá para debater a cultura política e a política cultural. O sofá da direita foi ocupado pelo jornalista, ex-assessor do Ministro da Cultura Gilberto Gil e hoje diretor colegiado da Ancine, Sérgio Sá Leitão. Para debater com ele, Fábio Maciel, advogado, professor de Ensino Superior e candidato a vereador por São Paulo pelo PC do B. Na mediação, o advogado especializado em cultura e esportes Fábio Cesnik, um dos fundadores do Instituto Pensarte. Leia abaixo algumas questões levantadas no debate.

Teoria e Prática

Sérgio Sá Leitão iniciou o debate tocando em uma das mais polêmicas questões no âmbito da política cultural, as leis de incentivo fiscal. Criticando o protagonismo dos instrumentos de fomento, que se tornaram em si políticas culturais, quando deveriam ser apenas instrumentos, para o diretor da Ancine, grande parte dos problemas advindos da Lei Rouanet e outras leis similares, se deve ao fato de que são instrumentos sem política e portanto acabam sendo ineficientes e pouco abrangentes. “Aprendi que muitas vezes a inexistência de uma política, é, em si, uma política.”

Para Sá Leitão, a gestão de Francisco Weffort como Ministro da Cultura dos anos FHC foi marcada pela omissão do Estado na definição de critérios e processos de avaliação. “Já Gilberto Gil, desde o início da sua gestão se colocou o desafio de fazer o Plano Nacional da Cultura, a constituir câmeras setoriais, a debater uma política de direitos autorais, por meio de seminários itinerantes”. Ainda assim, o ex-assessor de Gil acredita que não chegamos, ainda, em um momento de amadurecimento das políticas culturais.

Para exemplificar tal imaturidade basta comparar a cultura com outras áreas tidas como constituintes do bem-estar social, como a saúde, educação e as políticas urbanas. Todo o desenvolvimento urbano de uma cidade se dá por meio de um plano diretor. “Por que não um plano diretor para a cultura? E, mais importante ainda, uma lei geral que fosse institucionalizada e independesse de governo”, questiona o jornalista.

Com a lei geral da cultura, haveria uma sincronicidade maior entre as ações municipais, estaduais e federais, evitando situações como a secretaria municipal da cultura de São Paulo, que oferece um edital para realização de longas-metragens. Com uma produção de 82 filmes no ano passado, o problema do cinema nacional não é a produção, mas a distribuição e exibição dos filmes. Ou seja, ao invés de um edital para produzir mais filmes, é preciso trabalhar de outras formas o cinema desviando o foco da produção para o consumo. Construindo cineclubes pela cidade, por exemplo. Outra solução é o vale-cultura, promessa antiga do presidente Lula. Por conta da demora, a Ancine planeja fazer o vale-audiovisual, aproveitando sua autonomia em relação à burocracia estatal.

Culturas locais

Fábio Maciel iniciou sua fala associando cultura, cidadania e generosidade. Para o advogado cultura política e política cultural possuem uma relação dialética, sendo que uma depende da outra para sobreviver. Entre suas propostas para a Cidade está a valorização da escola como epicentro da diversidade cultural local. Como exemplo, utilizou frase profeciada pelo multiartista Jorge Mautner: “Ou o mundo se brasilifica ou se torna nazista”. Maciel, que ao lado de Fábio Cesnik foi produtor de Mautner, citou o músico para ilustrar a diversidade cultural brasileira.

Mais tarde, essa questão foi questionada por um dos presentes no debate que alertou para a estereotipação dos moradores da periferia, que para alguns só gosta de hip-hop, grafite e nada mais. Como resposta, Sá Leitão contou o caso do Congo do Espírito Santo, expressão tradicional e exclusiva da região que de marginalizada tornou-se única política cultural do Estado, obrigando músicos de outros ritmos a procurarem outros meios que não os incentivos locais.

Público e privado

Para Maciel, “existe um patrimonalismo na relação entre o público e o privado no Brasil, sendo que o que deveria ser público fica voltado para atender aos interesses privados de uma minoria.” Mas, otimista, ele defende que o que é histórico-cultural é passível de ser mudado.

E como patrimonalismo e clientelismo caminham lado a lado, Cesnik provocou os debatedores a comentarem uma questão pouco falada nas conversas culturais, que é a postura clientelista da classe artística em relação ao Estado, ou melhor, o Estado-balcão.

Sergio Sá Leitão recorreu ao reduzido histórico das políticas culturais no País –o Ministério da Cultura brasileiro tem apenas 23 anos – e afirmou que desde seu início estas foram destinadas aos artistas e produtores culturais. “O grande desafio que temos no Brasil hoje é o da radicalização e ampliação do grau de acesso aos meios de produção cultural.”

Cultura e desenvolvimento

A exemplo do que prega o SESC, Sá Leitão tocou em questão central, que é a relação direta entre cultura e desenvolvimento. “Sabe-se do impacto que a fruição artística tem no desenvolvimento pessoal. O desenvolvimento cultural de uma sociedade, que passa pelo seu grau de acesso, tem a ver com a dimensão coletiva e diz respeito ao desenvolvimento conjunto da sociedade.”

Desenvolvimento este que pode ser também econômico. Afinal, na divisão do trabalho da cultura, o capital humano é imprescindível e dificilmente será substituído por máquinas. “A origem de um conteúdo cultural é a imaginação. O conteúdo e a transformação deste geram adição de valor agregado, valor este que é gerador de renda.”

O exemplo do cinema talvez seja o mais significativo, já que para a produção de um longa-metragem necessário o trabalho coletivo de cerca de 400 pessoas.

Ensaio sobre o ensaio

2008-09-18T17:17:00.008-03:00

Belo texto do Contardo sobre o novo filme de Meirelles...não sou nenhum Contardo, mas escrevi minhas impressões sobre o filme alguns posts abaixo. Vou tentar ver de novo e reescrever a coisa toda.

CONTARDO CALLIGARIS

"Ensaio sobre a Cegueira"

Somos capazes de tudo: o apocalipse nos testa e nos revela a nós mesmos e ao mundo

GOSTO DOS romances e dos filmes apocalípticos, ou seja, das histórias em que algum tipo de fim do mundo (guerra nuclear, invasão extraterrestre, epidemia etc.) nos força a encarar uma versão laica e íntima do Juízo Final. Nessa versão, Deus não avalia nosso passado, mas, enquanto o mundo desaba, nosso desempenho mostra quem somos realmente. No desamparo, quando o tecido social se esfarela e as normas perdem força e valor, conhecemos, enfim, nosso estofo "verdadeiro". Somos capazes do melhor ou do pior: o apocalipse nos testa e nos revela.
O primeiro romance apocalíptico (de 1826) talvez tenha sido "O Último Homem" (ed. Landmark), de Mary Shelley, que é também a autora de "Frankenstein". De fato, as duas obras são animadas pelo mesmo sonho: uma criatura radicalmente nova pode ser fabricada no bricabraque de um necrotério ou nascer das cinzas da civilização. Em ambos os casos, ela será sem história, sem ascendência, sem comunidade e, portanto, penosamente livre - para o bem ou para o mal.
No romance de Mary Shelley, aliás, a causa da catástrofe é uma epidemia, como na "Peste", de Camus, e como no "Ensaio sobre a Cegueira", de Saramago, que é agora levado para o cinema por Fernando Meirelles.
A obra de Meirelles é fiel ao livro que a inspira, mas, para contar a mesma história, consegue inventar uma eloqüência própria, sutil e forte. Por exemplo, o filme banha numa luz esbranquiçada e difusa que não é apenas (como foi dito e repetido) uma evocação da cegueira branca que aflige a humanidade: é a atmosfera ordinária de nosso universo desbotado, em que a trivialidade do cotidiano desvanece os contrastes - até que as sombras e os brilhos sejam revelados na "hora do vamos ver", que acontece, paradoxalmente, porque todos (ou quase todos) perdem a visão.
Depois de assistir ao filme, li algumas das críticas que ele recebeu em Cannes. A nota de Manohla Dargis, no "New York Times" de 16 de maio, por exemplo, é paradoxal: Dargis acusa o filme de ser uma Alegoria com "A" maiúscula, em que, aos personagens, faltaria espessura. Certo, os personagens de "Ensaio sobre a Cegueira" quase não têm história prévia, assim como a cidade em que os fatos acontecem (uma mistura de São Paulo com Toronto) é uma cidade moderna qualquer, cujas particularidades não contam. Essa, justamente, é a beleza do gênero: o surgimento quase abstrato de uma situação extrema, em que se trata de escolher e agir a partir de nada. O passado, o lugar não contam: os personagens são definidos por suas escolhas aqui e agora.
Dargis também se queixa da oposição que lhe parece excessiva, no filme, entre "os bons" e "os ruins", ou seja, entre os que, na cegueira, descobrem e aprimoram sua humanidade e os que a perdem. É uma queixa curiosa, pois, em quase todas as narrativas apocalípticas, a contraposição de retidão e bestialidade é o sinal de uma liberdade quase absoluta, angustiante: o fim do mundo é um bívio sem leis, sem flechas, sem compromissos, onde qualquer um pode escolher o horror ou a esperança. A oposição caricata dos bons e dos ruins expressa a incerteza do espectador, do leitor e do autor: "Você, se, por uma misteriosa epidemia, o mundo ficar cego, se o reino da lei acabar e começar a idade da luta pela sobrevivência, de que lado estará? Do lado dos que inventarão novas formas de abusos ou dos que descobrirão novas formas de respeito e de vida comum? Uma vez perdida a visão, o que você enxergará no seu vizinho: mais uma mulher para estuprar e um otário para explorar ou um irmão, perdido que nem você?"
No "Ensaio sobre a Cegueira" (de Meirelles e de Saramago), diferente do que acontece em muitas narrativas apocalípticas, a heroína é uma mulher, e as mulheres são as depositárias da esperança; elas saem engrandecidas pelas provas da situação extrema.
São elas que, para o bem de todos, entregam-se aos estupradores, aviltando não elas mesmas mas os que as violentam, com uma coragem que salienta a covardia dos maridos ciumentos ou zelosos de sua "honra". São elas que sabem cuidar de uma criança ou matar quando é preciso. São elas que reinventam a amizade (em cenas memoráveis: a das mulheres lavando o corpo da companheira espancada à morte e a das mulheres no chuveiro).
Aviso, caso, um dia, a gente tenha que recomeçar tudo do zero: em geral, as mulheres sabem, melhor do que os homens, o que é essencial na vida.

here we go!

2008-09-02T16:55:00.006-03:00

I'm back again!
Primeiro no blog das meninas de lá: http://www.asmeninasdela.blogspot.com/. Postei depois de um inspirado aniversário, uma festa de arromba e um pedido vindo de um querido leitor. Claro que ele frequenta o blog por conta de uma menina de lá em especial, a mais doce delas talvez. Mas, de rebarba, sempre acaba deixando uns comentários nos posts que escrevemos, e por isso devo agradecer. Incentivo nunca é demais. Thanks Bruno!
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Well, e agora aqui, no meuuuu free space de associações livres. Queria muito que todos ficassem a par da mais divertida das polêmicas da cultura brasileira. Caetano Veloso X a "crítica musical paulixtana".

Gente, eu adoro Caetano, algumas músicas dele fazem parte da minha vida, não tem como eu ouvir e não gostar. Inclusive o último álbum, o Cê. Mas que ele é arrogante pacaraleo isso ele é. Fiquei sabendo da polêmica na semana passado, quando li na Folha Online, entre as matérias mais lidas: "Caetano diz que crítica de show é provinciana." A matéria se referia à fúria de Caetano diante de duas críticas de seu show com Roberto Carlos em São Paulo. Críticas escritas pelo Jotabê Medeiros (Estado de S. Paulo) e pela Sylvia Colombo ( Folha de S. Paulo).

Na hora me interessei; faz tanto tempo que a crítica de arte, e muito menos a crítica de música não era debatida fora das salas de aula dos cursos de jornalismo! Lá vamos nós....Bem, qual não foi minha decepção quando vi que Caetano, para rebater as críticas, chamou Sylvia Colombo e Jotabê Medeiros "de boba da Folha e o burro do Estadão" no seu blog http://www.obraemprogresso.com.br/.

Que raios de debate!!!

Tudo começou porque nem um nem outro, por motivos diversos, gostaram do show, promovido pelo banco Itaú em homenagem a Bossa Nova.

Assumo que gostei bastante do começo do texto da Sylvia Colombo:

"Celebridades loucas para aparecer, fotógrafos emperrando a passagem, portões que não abrem, artistas que se atrasam, excesso de convidados, inserções abusivas de agradecimentos a patrocinadores, desrespeito ao público em geral.

Duas coisas marcaram o aniversário de 50 anos da bossa nova. A que preponderou até aqui foi, certamente, esse frenesi coletivo pelo bochicho nos eventos de comemoração. "

Ela continua o texto dizendo que o show foi modorrento e sem improvisos, entre outras coisas(que incluem elogios também). Como eu não estava presente, não posso argumentar, mas do inicio do texto eu só tenho a concordar. Só o fato de terem sido apresentações únicas, a preços absurdos, patrocinados pelo banco com maior lucro no País já me deixa bastante revoltada. Bossa Nova é ou não é patrimônio cultural do País? Porque só alguns podem ter acesso? Porque não fizeram um show ao ar livre no Parque do Ibirapuera? Dinheiro para isso eles têm, de sobra. E esse frenesi coletivo, esse bando de convidados ilustres, só me faz pensar que mais do que um show, isso foi mesmo um espetáculo, obra de nossos tempos espetaculares. Leiam o texto da Sylvia Colombo na íntegra neste link: http://www1.folha.uol.com.br/folha/ilustrada/ult90u439149.shtml

Well, gosto muito do Jotabê, admiro ele por todo seu conhecimento, não só musical, como de poesia, política e de várias outras coisas. Leio sempre o blog dele e nunca deixo de aprender e dar risada com seus sarcasmos, como quando se refere ao Kassab como "Prefeito Patolino".
Na primeira vez que li sua crítica da Bossa, dei muita risada, porque ele pegou pesado!
Só agora, lendo novamente sua crítica, achei que ele pegou pesado demais. Me parece um certo ranço com a Bossa Nova e tudo que a cerca...mas, posso estar enganada. Como sou jornalista e tenho amigos da mesma espécie, sei que existe uma pré-disposição em não gostar de Caetano Veloso e Bossa Nova. Talvez não seja esse o caso do Jota, já que ele nunca me pareceu ser do tipo que fala mal por falar. Digam vocês o que acham. O texto do Jota está neste link: http://www.estadao.com.br/estadaodehoje/20080827/not_imp231284,0.php

Caetano continuou em seu blog a polêmica e comenta, em post datado de 30 de agosto, o texto do Jotabê, parágrafo por parágrafo. Cara, como essa discussão podia ter sido bem mais aproveitada, não fossem os egos desvalidos. Ao invés de ficar putinho e ficar dizendo que o Jotabê escreve vírgulas demais, Caetano poderia ter ido mais a fundo nas questões estéticas e artísticas.
Ele até faz isso em alguns comentários, são os melhores. Isso não deveria ter sido encarado como uma rinha pessoal, quem sabe mais, quem é melhor. Usar prestígio para humilhar as pessoas é uma das coisas mais baixas que alguém pode fazer.

O Jotabê, com todo direito que tem, se defende no blog dele http://medeirosjotabe.blogspot.com/.

Leiam e me digam o que acharam!!!

quinta-feira branca

2008-07-31T13:19:00.004-03:00

quem somos, do que somos feitos

enquanto assistia, ficava lutando contra mim mesmo. parte de mim queria o happy end. algo bem simplista. um final que me mostrasse que os seres humanos tem salvação. de que não somos egoístas, nem falsos, nem cruéis. de que não nos aproveitamos dos outros. de que não matamos. de que não ferimos.

uma outra parte relutava. “don´t be blind. vc sabe que não existe happy end.” mas não me culpo. é difícil enxergar. é difícil aceitar.
aceitar que diante da morte, da fome, da miséria, diante do caos não existem regras. com certeza esse é o maior medo. e isso o filme passa muito bem. não vou entrar em detalhes técnicos, coisas que senti falta do filme. coisas que poderiam ter sido pensadas.

preciso falar na aflição que senti, nas diversas sensações que tive . e na minha saída do prédio da FOX Films, não conseguia enxergar direito as coisas. algo mudou, tenho certeza. talvez dure apenas algumas horas. mas me sinto estranha. uma espécie de luto epifânico, se é que isso existe. a mourning. uma ressaca.

será que vivemos a vida para aqueles momentos de ternura? quando eles todos reencontram o conforto e amor, uma casa, a chuva que caia sobre os corpos, uma boa comida. risadas. abraços. carinhos. bem-estar.

mas e todo o resto? será que a vida se prende a esses momentos? ou será que na verdade eles servem apenas como um relaxo?

resisto em ser pessimista. sempre odiei os otimistas, mas no fundo sou um deles. fico querendo ver o lado bom da vida, dia após o outro. provavelmente é só uma forma de esquecer todo o resto. esquecer o menino no farol, esquecer a guerra, a prisão de guantánamo, esquecer que um dia eu fiz alguém chorar, esquecer que sou invejosa, esquecer que sou egoísta, esquecer que nem sempre trago a felicidade aos que estão ao meu redor.

a pessoa que enxerga. ela encontra então sua razão de viver. não é preciso pensar. ela é a única que enxerga e portanto tem a sua missão definida. ela carrega o fardo, ela os guia, os alimenta, limpa, cuida.
mas, e quando eles voltarem a enxergar? o que será dela ? ela voltará a ser só mais uma.

e se o homem cego estivesse muito mais feliz assim? preferindo não enxergar, para não ter que ver tudo aquilo que ele sofreu, todas as inseguranças. assim, sem conhecer seu rosto, a menina talvez case com ele e eles sejam felizes para sempre.
ele diz "I don´t want to know how you are. I know that part of you that has no name. that´s who we really are. "

será? ou será que ele prefere viver a vida assim, sem que as pessoas saibam quem ele é, ou como é. ouvindo apenas as vozes e sentindo uns aos outros os julgamentos talvez sejam menores. ou não.

tantas coisas pensei, tantas coisas penso. olhei ao meu redor. horário do almoço. os elevadores lotados. tudo parece pequeno, forjado. resisto a dizer, mas tudo parece triste e sem significado. será que somos todos cegos?

Los Suenos

2008-05-28T23:09:00.002-03:00

A arte aí em cima é da TULIPA RUIZ (http://www.flickr.com/photos/liparu/)

Hoje assisti ao documentário El Ultimo Bandoneón, uma co-produção argentina-venezoelana que conta a história do tango na argentina. Chorei umas 300 vezes. Ouvir tango para mim é sentir sempre algo muito forte, inexplicável.

Não sei o que me emocionou mais, se é o bandoneón, o violino, a dramaticidade e sensibilidade da dança ou a tradição que envolve essa música popular argentina. Os maestros velhinhos, com 80, 90 anos, um deles cego. A quantidade de vida que saía daqueles bandoneóns, a intensidade das notas, os gestos. O modo como os envolvidos falavam apaixonadamente de cada parte do instrumento. As oficinas familiares de consertos do bandoneón, onde o amor e a técnica são passados de pai para filho. (Um dia já odiei a tradição. Depois amei demais. Isso porque as tradições são muitas. Hoje valorizo quase tanto como valorizo a vida. A tradição, quando não vem para oprimir as próximas gerações é a sabedoria acumulada da humanidade.)

Em vários momentos do filme, os personagens se referiam tanto à dança quanto à música dizendo: não se trata de dançar, mas de sentir a alma.

O bandoneón só funciona com o ar dentro, como se fosse um ser humano. Ele também tem alma. E é de lá que saem os lamentos e os rasgados milongueiros que me fazem chorar sem esforço algum.

Tô dramática.

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Hoje comprei um livro de poesias da Hilda Hilst. Logo a primeira página que abri, ainda na estante da livraria, uma frase me saltou aos olhos

"Me queimo em sonhos, tocando estrelas."

Não consegui mais tirar isso da cabeça. Adoro quando as palavras me surpreendem em pequenas epifanias que fazem valer a vida inteira.

Odeio máximas, mas frases que dizem muito, em pouco, são obras de verdadeiros seres verdadeiros que sentem.

Em homenagem aos egos desvalidos

2008-05-19T09:07:00.000-03:00

da série que acabo de inaugurar: leminskianas

Sujeito Indireto

Quem dera eu achasse um jeito

de fazer tudo perfeito,

feito a coisa fosse o projeto

e tudo já nascesse satisfeito.

Quem dera eu visse o outro lado,

o lado de lá, o lado meio,

onde o triângulo é quadrado

e o torto parece direito.

Quem dera um ângulo reto.

Já começo a ficar cheio

de não saber quando falto,

de ser, mim, indireto sujeito.

lacunas ideais

2008-05-18T14:22:00.000-03:00

Inaugurei o Blog e me empolguei. Fui logo divulgando para todo mundo que eu gosto, como que me oferecendo, em um único aviso coletivo. Leiam, critiquem. No fundo, sei que quando faço isso é ato impensado. Se depender, não faço blog. E se faço não mostro.

Isso porque odeio o fato de que sou imperfeita, e odeio o quanto os meus textos são uma grande vitrine para tal fato. Não me lembro (embora sempre existam as exceções) de um único texto que eu tenha escrito e depois, relendo, não tivesse vontade de reescrever.

Pensei nisso hoje quando entrei no messenger e minha madrinha-tia-querida, que mora lá do outro lado do mundo e vive uma realidade bem distante da minha, disse que tinha entrado no meu blog e achado legal.

Fiquei pensando o que ela teria pensado sobre meu texto da inauguração da ponte. O que ela e todas(haha, todas as cinco ou seis) as outras pessoas que leram acharam. Com certeza cada um pensou uma coisa.

Pode ter sido algo como "Ai, a juventude e as utopias, bons tempos." Ou quem sabe "que ingênua... pensar que andar de bicicleta em uma ponte pode mudar alguma coisa, etc etc....

Enfim... tantas coisas podem ter passado pela cabeça dos meus poucos e queridos leitores.

Mas eu sei que isso, no fundo, não é tão importante quanto eu poder exercitar minha escrita e me forçar à exposição, para que ela fique menos dolorida com o passar do tempo e eu ,quem sabe um dia, possa olhar para trás e ver, "nossa como melhorei". Talvez até me emocionar com alguns dos meus textos, como acontece quando leio, por exemplo, as meninas de lá e suas crônicas sobre a vida.

Cheia de lacunas, assim eu sou, apesar de às vezes inconformada por não ser o todo (como assim, não sou perfeita e ideal! mamãe devia ter me avisado antes!!)

Uma das minhas "faltas" é que eu acho que sinto muito mais do que consigo transmitir nas palavras. Ainda que, para meu desespero, a escrita seja a fonte do meu trabalho, espero que por muitos anos.

Aproveito que o blog é meu, e sim ele é um diário clichê de uma recém-formada em jornalismo cheia de defeitos, e volto ao dia da bicicleta na ponte.

Acho que não consegui fazer jus ao que senti naquele dia. Não é porque a ponte foi inaugurada pelo PSDB/DEM e eu sou do contra. Também não é porque eu sou contra o "progresso e o desenvolvimento"da cidade. E também não é porque eu não considere importante construir pontes para a Cidade.

É porque tenho na minha cabeça uma Cidade ideal e vira e mexe, me pego extremamente pessimista e triste (quem não ficaria morando em SP). Quando encontro gente que nem o povo da bicicletada, que reunia ali naquele dia gente de tudo quanto é tipo, unidos por objetivos comuns, eu me emociono porque sempre acreditei que é assim ,e só assim, que alguma coisa pode ser mudada. E qualquer um que tenha pegado o congestionamento de 266 kilometros da sexta-feira retrasada sabe que alguma coisa tem que ser feita.

Ainda não saio satisfeita com a minha explicação, mas é assim: um passinho de cada vez.

E para elevar um pouco o nível, termino com Quintana que sabe falar em pouco, muito.

Da contradição

Se te contradisseste e acusam-te...sorri.

Pois nada houve, em realidade.

Teu pensamento é que chegou, por si,

A outro pólo da Verdade...

De bike no concreto milionário

2008-05-13T15:24:00.000-03:00

Foto retirada de: http://pollyrosa.multiply.com/photos/album/32

Sábado passado estive na inauguração do mais novo empreendimento da metrópole: a Ponte Estaiada, batizada com o nome do ilustríssimo Frias, falecido dono da Folha de S.Paulo. Fui de bicicleta, me juntar aos colegas da bicicletada de São Paulo,e protestar contra a proibição, pela prefeitura, de circularem bikes pela ponte.

Na verdade, fui de acompanhante e confesso que me surpreendi. (Admiro quem anda de bicicleta todos os dias, mas ainda não sou uma adepta. Muito porque morro de medo do trânsito nervoso da Cidade)

As imagens da inauguração ficaram bem fortes na minha memória. Enquanto eu ouvia os fogos (Patolino, o prefeito e Serra, el gobernador discursavam lá em cima), um monte de gente tirava foto, famílias inteiras (ao invés de teatro, cinema, música...entretenimento é inauguração de obra pública!!). Algumas delas, incluindo os moradores da favela do lado, são pessoas que nunca vão poder trafegar no empreendimento milionário, já que além das bikes, os pedestres também são proibidos.

Logo que chegamos, fomos impedidos de passar pela GCM, que alegou que as outras bikes, que já estavam lá em cima fazendo o piquenique, entraram no meio dos carros antigos, sem permissão deles. (assista ao vídeo no site http://apocalipsemotorizado.net/ e veja a GCM tentando barrar os bicicleteiros, sem sucesso).

Ficamos ali, tentando negociar, conversando com os azuizinhos. Um deles até confessou que não estava nada feliz. (“ Você acha que tem um problema? Imagina eu, que acordei todo feliz e me ligaram de manhã dizendo que a minha folga tinha sido cancelada?”). Solidarizei-me com o soldado Dos Anjos. Nada pior do que cancelar a folguinha do sábado.

Enfim, depois de alguns atritos, muita insistência, ajudas lá de cima, uma GCM nervosinha ter gritado com um moço que carregava o filho num banquinho da bicicleta, eles acabaram cedendo. A capitã, que antes era rainha das grosserias se aproximou docemente dizendo que faria a nossa escolta pela ponte, mas que não se responsabilizava. “Não façam isso gente, é perigoso, vamos liberar o trânsito”.

Enfim, chegamos e cerca de 30 pessoas faziam um lindo piquenique no último dia da ponte sem carros (testemunhas disseram que a ponte já congestionou em sua primeira semana, o que não é nenhuma novidade)

Saldo do dia: eu, cagona de carteirinha(morro de medo das máquinas de lata), saí do Butantã, fui até a Berrini passei em Moema e voltei pro Butantã. Tudo de bike. Claro,ainda acompanhada (muito bem, aliás). De quebra, me emocionei na ponte, vendo a cidade de cima, transgredi algumas leis, sem desrespeitar ninguém.

Para saber mais sobre a bicicletada:

http://apocalipsemotorizado.net/bicicletada/sao-paulo/

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Depois que postei, vi essa notícia que saiu no Diário. Ironia, ou não? Os caras acham que enganam a gente, com essa história de que a ponte vai desafogar o trânsito.

Motorista já sofre com trânsito na Ponte Estaiada

Plantão | Publicada em 13/05/2008 às 12h28m

Rodrigo Ferreira, Diário de S.Paulo

SÃO PAULO - O paulistano já tem mais um ponto de congestionamento na cidade. Trata-se da ponte estaiada, que liga a Avenida Jornalista Roberto Marinho à Marginal Pinheiros no Brooklin, zona sul da capital. No primeiro teste prático realizado num dia útil, na tarde desta segunda-feira, o complexo serviu para desafogar um pouco o trânsito da região do Brooklin, Campo Belo e Jabaquara, mas pagou o preço pelo grande fluxo de veículos. Pela manhã o trânsito fluiu bem, mas à tarde a lentidão em cima da ponte foi constante.

Vote: a nova ponte merece o título de novo cartão-postal da cidade?

À noite, muitos motoristas aproveitaram as paradas constantes para contemplar a estrutura. O efeito de luzes coloridas chamou a atenção até de quem passava pela marginal. Alguns motoristas tiraram fotos.

Apesar das placas de proibição na entrada da ponte, pessoas e bicicletas utilizaram a via para ir de um lado a outro do Rio Pinheiros.

Dois pedestres também cruzaram a ponte. Um deles segurava uma garrafa de cachaça na mão. Perguntado se não sabia que a travessia é proibida, mostrou-se surpreso:

- Não pode? É mesmo, rapaz? Eu nem sabia.

Um agente da CET que estava no local se limitava a fiscalizar as conversões proibidas nas proximidades da ponte.

O motoboy Rodrigo Soares, 22 anos, acostumado a enfrentar engarrafamentos todos os dias, disse que a ponte facilitou o trânsito local.

- Foi um investimento que valeu a pena.

A Ponte Octavio Frias de Oliveira, conhecida como ponte estaiada, levou cinco anos para ser concluída. Orçada em R$ 233 milhões, tem a estrutura com base de 138 metros sustentada por 144 cabos revestidos em polietireno amarelo com a altura equivalente a um prédio de 46 andares e também passa a fazer parte do cartão-postal da cidade. A ponte foi inaugurada no último sábado, às 11h

Inauguração

2008-05-13T14:43:00.000-03:00

Olás.

Vou inaugurar o blog, que eu criei faz um tempinho, mas até agora não tive vergonha na cara de escrever. O nome, nada criativo (sempre achei que blogs tinham que ter nomes criativos), surgiu de uma conversa com uma amiga. Ela me falava de como eu discorro sobre coisas diferentes e vou associando elas com uma inigualável facilidade. É porque sou assim mesmo, caótica, o que já me fez sofrer muito em busca de um foco.

Ultimamente desisti da busca, ou pelo menos tenho tentado assumir meu lado caótico e tirar proveito dele.

Aos parcos leitores deste, bem-vindos ao Caos! Textos livres, associações livres, livre de temas.

Até breve